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自画像心理分析—人的内容分析 （1）性别：一般先画同性再画异性，先画异性者提示有性别认同的问题 （2）人物大小：巨大表明自我膨胀，自制力低；很小，表明没有安全感，退缩，沮丧。 （3）漫画人与抽象人：防御或拒绝态度，隐藏自己，不愿表露真实自我 （4）性别判断的表现：如果画出与自己性别相反者表明性别自我认同还没发展好。 （5）主题 （6）头——智慧之源。是产生行动、控制行动自我存在之器官、是幻想及对人及关系的象征。大头表示对自己的智慧评价高；小头或占的比例小是缺乏感或无力感、自卑、人际或性方面有问题。 （7）五官——漏掉五官是逃避人际关系；没有很好地适应环境；五官模糊是退缩，在人际关系上畏缩和自我防卫；过分强调五官是用攻击性、交往中的唯恐天下不乱，我独尊来弥补自己的匮乏感和软弱。 （8）眼、睫毛——眼为心灵之窗、是与外界接触的最重要的器官。大眼强调用眼睛来观察世界；也有可能是妄想 （9）眉毛——整齐有力的眉：洗练、潇洒；画出眉毛表示能比较好的照顾他人 （10）鼻——与自我意识有关，有主见；大鼻子是性感强的表现 （11）嘴——嘴是说话和吃的功能。强调嘴可能有强烈的表达欲或想表达自己但表达不好。没有嘴是不愿与别人沟通；可能表示情绪低落。 （12）齿——有攻击性，幼稚化表现 （13）头发——过浓密表明烦恼多；过稀疏或没有头发，表明体力不好或对身体的不认同 （14）耳—对耳的强调是对批评很敏感；没画耳朵是很少倾听别人的意见 （15）下巴—下巴强调：支配欲强，追求社会地位，攻击倾向 （16）颈部（脖子）——异常颈：不能理智的控制感情、冲动，分裂及冲突多 （17）臂——臂较腕粗：能控制自己的行为和冲动 （18）手——最后画手：避免与外界事物或人物的密切接触、隐蔽自我无力；没有手表明缺乏行动力；模糊的手表明在人际关系中缺乏自信；非常大的手表示攻击性；涂黑的手表示焦虑和罪恶感；手握成拳表示攻击性和叛逆性；断手表示焦虑和无力胜任感。 （19）指——花形指：未成熟性，手笨拙；爪子似的，尖尖的手指，表明幼稚性，攻击性倾向。 （20）腿与脚——与人格安定及性的态度有关；没有脚表明不稳定，或缺乏准确的定位，或是有退缩的倾向。 （21）躯干：圆圆的表示性格上的被动，缺乏主动性，可能性幼稚或退化；棱角分明表明个性中的倔强；小得不成比例的表示自卑，或者压抑自己的欲求。 （22）肩：方正的肩表明攻击性，敌意；小小的肩膀表明自卑感或无力 承受压力；女性画出宽肩或方肩表示必须肩负重任，好强，好胜 （23）衣服：裸体“违反社会规范，反抗性，现实理解差。有口袋者显示心理方面的未成熟性，依赖性强，总感到物质上的不能满足和爱情方面的欲求不满；对领带的描绘是男性对自我形象的过度关心，显得矫揉造作，对性意向作出强烈的表达，有时反而心有余而力不足；帽子则是心理防御机制的表现，也是对外界敏感、多疑，由此影响社交。 各式绘画技巧（一） 线条法：有三种方法： 1、 Numburg，M.的Scribble[‘（潦草的书写;乱画）法：投射法，用铅字笔或马克笔在画纸上任意绘线条，然后说：「你看这些线条，可不可以看到一些什么形状？或从这些线条如果有你可以看见什么形状的意象就随意绘绘看。」等待个案绘成形状，治疗者就和他开始对话。 2、 Winnicott，D.W.的Squiggle[‘（歪扭或波形短线,难认的笔迹）法：个案画线条，治疗者投射并完成它；然后由治疗者先画线条，由患者去投射完成它。双方的交替要迅速，至于绘画的完成程度不重要。实际上，有时候治疗者的问题绘呈现出来，有时候会出现转移的意像，有时候则出现攻击性、挑战性心象。这些方法可以稍微减少患者在导入时的防卫或抗拒，也可以判断其转移或攻击性的一部份。此技巧不仅可以适用于导入初期，并且可以在其它阶段引起自由心像联想。 3、 山中康裕的Mutual[‘mju:tʃuəl] （相互的, 彼此的）Scribble Story Making法：山中是综合上述方法改造的交互画线条说故事统合法，通常由患者把一张纸成几块（6-8块），交互乱绘、投射，最后用所绘的图编成故事的方法。 （二） 画面分割法：由患者或治疗者把画纸分割，然后在图上颜色就是「色彩分割」。由患者与治疗者交互完成者，称为「交互色彩分割法」。此法可以促使治疗者和患者间的互动，在统合失调症患者的治疗上颇有效果。 （三） 画树法：原来是瑞士的Koch，C.于1949年所创的心理测验，常被用在儿童绘画或临床研究的投射法。可以采用原来在画纸上用4B铅笔绘画的方法，也可以用色彩绘。一个人的潜意识领域被投射到一棵「树」上，此意像化的涵义至深。 （四） 画人法：美国的Goodenough，F.L.所创之心理测验，目前除用铅笔，也可以用彩色，以超出原来测验的含义。所绘人物，有属于异性者，有绘「自己的面孔」者，已经有「统合失调症患者正面像之研究」或「背向像的研究」等实征研究。 （五） HTP法：由美国Buck，I.所创的「HTP」（家、树、人）广被应用。原法是让患者绘四张图（家、树、人、男女），有时候要求在一张画纸上画家、树、人三种东西。目前已经发展出「多元HTP法」。即一张画纸分割成三个部分，每一栏都画HTP的方法，也有在未分割的画纸上同时画HTP的方法。总之HTP法可以了解患者对于家、家族、家族相处的方法、树木等基本生命的认识态度，以及对于人、人的互动关系、沟通方法、整体德互相关联的意识，相当有趣。最早是一种测验，后来导入治疗上，然后又在心理治疗上发现具右临床的价值。患者连续描绘Syn-HTP的过程中，能够了解家族内互动作用，加深洞察，已经有实征研究。 （六） 动态家疗画法：动态家族画法（k.F.D）是要患者描绘家族的动作与行为，Kwiatkowska，H.Y.最早倡始「家族艺术治疗」，近年来，藉非语言雕塑家庭内互动与家族互相认识的水准，相当盛行，可见原始的K-F-D是有其功能的。临床家让患者描绘家族画作为他们谈对于家族的感情之线索；譬如让患者和家族分别描绘的作品，互相批评，察觉问题所在，互相修正。在此一连串的过程中，减弱家族的压抑和防卫，塑造现实与意像德双重结构，将有助于建立浓厚的人际关系。家族化的主题早已超出测验的意义，在家族印象绘画心理治疗的水准上预期将有临床上的应用价值。 （七） 风景构成法：由中井九夫所创，治疗者在患者面前，用快干笔把一张画纸上加框，对他说：「现在请你把我说的东西逐一画在纸上，整个凑成一幅风景。」顺序依次为（1）河流（2）山（3）稻田（4）路（5）房屋（6）树木（7）人（8）花（9）动物（10）石头，凑成一幅风景。如果想要增加就添绘，共同用腊笔涂色。治疗者根据整体的统整性、丰富性、分化性、空间深度等加以检讨，了解个别意义。中井指出，统合失调症患者的绘画课以分为P型和H型。此技法可以做心理测验，也可以用在治疗情境。 （八）九分割统合绘画法（Nine-in-One Deawing Method 『NOD』）：是自由联想的技法。将图画指划分为九格，以中间的格子为中心，呈漩涡状的顺序，一格一格的画。可为自由画或主题画。可由个案一人完成，亦可为治疗者与各案交互绘画完成。完成后依图编故事。其特性在于自然的集结多元且复杂的心像，同时达到信息收集及整理的效果，并可看见联想的动向，且了解抵抗的模式、因绘画面积的缩小所产生的集约效果。 绘画艺术评定都评什么人格评定 Buck(1987)编制的房—树-人测验（H-T-P）用来获取被试人格特点和人际关系方面的信息。包括四个任务，前面三个任务是用铅笔先后在三张7×8 1/2英寸白纸上画房子、树和人，第四个任务是用包括红、绿、蓝、黄等8种颜色蜡笔在同一张纸上画房、树和人。测验通过对细节、比例和透视等方面进行定量和定性分析，得到被试的人格特点和人际关系方面信息。 认知发展评定 Koppitz (1968)编制的人像绘画测验（HFD）要求被试“画一个完整的人”,通过对人像的细节和部分的存在或缺失评定被试的认知发展水平。Silver（1990）的绘画测验通过预示性绘画、观察绘画、想象绘画三个分测验评定被试的顺序概念、空间概念和概念形成。对心理问题被试筛选的绘画艺术评定有Naglieri等人（1991）编制的《画人测验：情绪障碍筛选程序》（DAP:SPED）。测验要求被试用带橡皮头的铅笔先后分别画男人、画女人和画自己。以人像大小、人像倾斜度等计分。 机能损伤和心理障碍诊断 Cohen（1985）编制的绘画诊断系列（DDS）。该测验把绘画诊断与DSM-III-R联系起来，对被试的心理障碍进行辅助诊断。研究发现，患者组DDS绘画与正常组绘画有显著区别：Couch(1994)发现具有器官心理综合症和障碍的老年患者倾向于使用单一颜色、单一图像，线段压力轻，所画树一般难以辨认，绘画中没有动物和人。Knapp(1994)发现Alzheimer患者的DDS绘画比控制组用色较少，使用空间较少。 房-树-人测验 房-树-人测验主要依据心理动力学的观点，从投射测验的角度，对被试的绘画作品内容进行分析。比如，在中，房子代表生活的物质方面，树代表生命能量和方向，人代表来访者自己（Brooke，1996）。Ramirez(1983)认为，在树的绘画中，树根表示与现实的关系，树干表示自我力量，树枝和叶子表示与环境满意互动的能力，树结指示创伤性事件。 绘画艺术的形式特征 从作品的形式特征如线条、色彩、空间、布局、透视等方面对绘画作品进行分析。如Gantt（1990）对“人从树上摘苹果”绘画测验编制形式要素评定量表，从突出色彩、色彩整合、空间、逻辑、线条质量、问题解决、心理固着等方面来分析。Cohen（1985）对绘画诊断系列（DDS）编制了“绘画分析表”（DAF），根据线条、色彩和形状等23个变量存在与否进行评定。 成套系列测验 绘画艺术评定编制者认识到单个作品，如同单一的行动或思想一样，不可能有效反映被试的心理状况。 Cohen（1985）绘画诊断系列要求被试完成三幅18×24英寸的12色蜡笔画：（1）自由绘画；（2）画树；（3）画情感。 Levick（1989）的情绪和认知艺术疗法测评包括6幅12×18英寸的16彩油画笔：（1）自由画；（2）画自己；（3）涂鸦；（4）涂鸦基础上绘画；（5）地点；（6）家庭。 动力（kinetic）绘画艺术评定是一种新绘画任务形式，它要求被试画人在“做某事”。Burns和Kaufman（1972）的动力家庭绘画测验要求被试画一幅家庭中每个成员（包括被试自己）在做事的画。依据绘画中人物的动作、绘画的方式和图形符号对绘画进行评定。 国外现有的艺术评定 1．1921年，罗夏（Rorschach）的墨渍测验， 标志着绘画作为心理评定的开端。 2. 1926年，古伊纳夫（Goodenough）画人测验，表明心理学家开始采用绘画艺术评定的方式进行心理测量。 3. 1965年，Ulman的Ulman人格评定程序（UPAP） 4. 1968年，Koppitz的人像绘画测验（HFD），60年代以后，绘画艺术评定得到较大发展，产生了大量绘画测验。 5. 1972年，Burns和Kaufman的动力家庭绘画（KFD） 6. 1985年，Knoff等人的动力学校绘画（KSD） 7. 1985年，Cohen的绘画诊断系列（DDS） 8. 1989年，Levick的情绪-认知艺术疗法测评（LECATA） 9. 1990年，Silver的绘画测验（SDT） 10. 1993年Landgarten的杂志图片拼贴画（MPC）测验 11. 1994年，Horovitz-Darby的信仰艺术评定（BATA） 绘画艺术评定的优势 绘画艺术评定是众多心理测验的一种形式。一般有两种形式。第一，刺激性绘画艺术评定。要求受测者对标准化视觉刺激做出言语反应，如罗夏墨渍测验。第二，创作性绘画艺术评定。要求受测者根据一定任务进行绘画，评定者根据艺术作品的内容特征或形式特征进行评定，如房—树—人测验。绘画艺术评定要求受测者按照一定要求作画，或者对评定者给出的特定视觉刺激做出言语化反应，评定者再绘画作品或言语反应内容进行分析，以此推测受测者心理特点，做出评定或诊断。 绘画艺术评定与纸笔测验和口头测验相比，其优势在于： 1、适用于阻抗严重或没有语言能力的患者特别，不受语言表达能力限制，儿童、聋哑人、智障患者可以接受测验。Edwards(1986)认为绘画是与言语并存的方式，也是最简洁的非言语性语言。艺术没有语言发展的局限，因而传达最直接的思想和感情。 2、绘画艺术评定对受测者的反应没有限制，受测者可以自由表达自己的思想和情感。一般纸笔测验特别是人格自陈测验，从题目到答案选项都是编者预定的。这就可能限制受测者做出反应的范围。个体有时无法完全自由地、真实地、有效地表达自己。 3、绘画艺术评定目的具有隐藏性，减少了受测者装坏和装好的倾向和刻意地表现自己的可能。即绘画者无法知道自己作品中心理内容，只有专业治疗师才能够进行分析。 4、绘画艺术评定是投射性的，可以测量个体无意识成分。Machover(1949)观察到了投射法可以表达无意识内容。 他认为，以言语沟通而进行的自我表达是不清楚的。 图画心理学中的笔迹分析知识简单的说，图画心理学是依据绘画者所绘图像，从线条、大小等诸多角度去分析绘画者的心理。图画心理学经常通过让受测者画一个家庭、画树、屋树人、自由绘画等方式，来考察绘画者的人际关系、心理状态/性格特征等。其基本理论有三个：第一，图画天然就是表达自我的有效工具，它是表达我们潜意识的直接工具；第二，图画是一种投射技术，它能够反映人们内在的、潜意识层面的信息，人们队图画的防御心理比较低；第三，图画所传递的信息量远比语言丰富，表现能力更强，而且，在画图的过程中，人们进一步理清自己的思路，把无形的东西有形化，把抽象的东西具体化（或相反）。 [1] 我们都知道，汉字是一种象形文字（在此不用多言，具体可以参见《汉字心理学》《汉字体态论》等著作），图画心理学的三个基本理论基本能适用于汉字，本文主要是借鉴图画心理学的分析层次来进行笔迹分析。 图画心理学至少从三个层次来分析一幅图画：一是从整体上去分析，包括画面大小、笔画力度、构图/颜色等；二是从画的过程去分析，包括先画什么/再画什么，是否有涂擦，花了多长时间等；三是从画的内容上去分析。前两者的分析适用于所有的图画。[2] 本文主要是分析第一个层次分析方法在笔迹分析中的适用性。 画面大小：图画心理学认为，图画面积的大小和作画者的自我评价有关，如果画面非常大，有可能表示以下几种含义：有可能是一种攻击性倾向；有可能因内心的无力感而表现出的外在的防御机制；表现出情绪化、躁动的倾向。如果画面非常小，则表现出对自我评价较低，或者是表现出拘谨、胆怯和害羞的倾向，或者是可能缺乏安全感、情绪低落，或者是表现出绘画者可能有退缩的倾向。画面在纸的上方且比较小时，表现出绘画者心理能量较低。 我们都知道，在笔迹分析中，字的大小也是与自我评价相关的，尤其是正文和签名放在一起时候进行比较分析，一般来说，正文反映的是书写者的社会评价，而签名反映的是书写者的自我评价，如果签名比正文大很多，表示书写者自我评价较高，自我意识强等特点，相反，则表示书写者害羞自卑、自信不足等特点。 在笔迹分析中，如果字很大，则表现出书写者多有雄心壮志，不拘小节，崇尚自由，兴趣广泛，视野开阔，喜欢社交和表现自己，行动欲较强，但是缺乏精益求精的精神等等。这是一般情况，也是大多数笔迹分析爱好者关注的东西。但是如果字体很大，线条颤抖，并且线条有被刻意拉伸的现象，则是心理补偿在起作用，这也是徐庆元所提到的负相关，这样的笔迹往往暴露出书写者内心的无力感和对外的防御心理。 需要提醒的是，在笔迹分析中，单纯分析字体的大小很有可能会出差错，需要与其他的笔迹特征结合起来，尤其是笔压。 如果一份笔迹上方的空白过小，说明书写者知识缺乏，心胸狭窄，目光短浅或者是有一种寻求保护的心理（这种情况在儿童笔迹中较多见）。 [3]这也是与图画心理学中的结论相吻合的。 画面位置：如果画面处于纸的中间，这是最普遍的一种情况，它代表了一种安全感。但是也有人说如果处于正中央，可能表示没有安全感，且在人际关系中比较固执。如果处于纸的上部，表明绘画者高层次的抱负，会努力达到目标，也可能代表一种乐观，有时是一种不合理的乐观。如果处于纸的下部，表明没有安全感，代表一种匮乏感，表示书写者情绪低落倾向或悲观主义倾向。如果处于纸的边缘或者是最下部，表明绘画者没有安全感或者是缺乏自信，需要外部支持，悲观，依赖他人，害怕独立，或者是逃避尝试新的东西，或者沉迷在幻想中。 画面位置对应在笔迹分析中，也就是一幅笔迹在纸面上的位置，这是绝大多数笔迹分析爱好者或者是专家忽略的、不引起重视的方面。其实这能够揭示出很多的隐含意义。比如在赵庆梅女士《笔迹分析与测试》一书中提到，纸面上方的空白表示书写者对社会习惯、风俗、权力机关等的尊重，而我们平时的书写都要求留有“天头地脚”，天头地脚不单单是为了保持美观，也是读书人写批注的地方。如果一个人天头地脚都不留，这说明书写者不能停止行动或者是在寻找一种安全感，也说明书写者对社会风俗和他人的不尊重。 从物理学上来说，重心越低，物体就越能够保持稳定，这也能反映在图画心理学和笔迹分析中，整幅笔迹如果在纸面的下部，这说明书写者在寻找一种稳定感，当然，这表明了其内心的不安全感，以及一种逃避现状的心理。 我们大多数人分析笔迹，都是过于注重笔迹的个别特征，当然，这并不是一件坏事，也能揭示出书写者的很多特征，然而我们有时候是不是可以换一个角度，我们尝试着将整幅笔迹看成是一幅画，从整体的角度，甚至以欣赏书法、山水画的方式去观察一幅笔迹呢？ 用笔力度：有力的笔触表示绘画者思维敏捷，自信，果断。如果特别用力，可能代表自信，有能量，有信心，也有可能代表神经绷紧，代表攻击性或脾气暴躁，或者是代表器质性病变，如脑炎、癫痫等。轻微力度可能代表犹豫不决，畏缩，害怕，没有安全感，或者是不能适应环境，以及低能量水平。而断续的、弯曲的笔触表示了绘画者的犹豫不决，依赖和情绪化倾向，或者是柔弱和顺从。 在笔迹分析中，笔压也就是图画心理学中的用笔力度，往往最能反映出书写者的能量水平的高低。笔压重表述心理能量高，从书写者身上体现出来，便是思维敏捷，自信和果断，但是如果特别用力，也就是说心理能量很高却缺乏畅通的疏通渠道，心理能量得不到正常的宣泄，则会形成负面的特征，如攻击性，脾气暴躁。我们只需要知道，如果人的内心能量能得到正常的流泻，那么表现出来的多是正面的特征，如果得不到正常的流泻，负面特征的表达多伴有笔迹线条中的颤抖。 笔压的轻微表明书写者内心能量较低，这表明书写者内心活动无法得到足够的能量支持，表现出来也就使没有安全感、犹豫不决、适应能力不强、顺从等特征。 我们在笔迹分析过程中尤其需要注意的是无法通过正常渠道宣泄出来的能量所造成的后果。 在笔迹生理分析中，我们也会遇到这样的情况，笔压过重，则有可能说明书写者的器质性病变，如笔压过重，笔迹中上部粘连，则书写者很有可能患有脑炎，或者是容易中风。 线条特征：线条是图画的基本元素，不同的线条传递着不同的信息。长的线条表示绘画者能够较好的控制自己的行为，但有时会压抑自己，短而断续的线条表示冲动性，而强调横向线条表示无力和害怕，自我保护倾向或者是女性化，强调竖向线条代表自信和果断，强调曲线可能代表厌恶常规，线条过于僵硬代表固执或攻击性倾向，不断改变笔触的方向代表缺乏安全感。 笔迹分析中，线条是一个非常重要的因素，线条也是多姿多彩、各式各样的，有光滑的线条，有弹性的线条，有粗糙的线条，有颤抖的线条，等等等等，甚至徐庆元先生创立了“线条触觉理论”，主要从线条去分析人的内心活动和性格特征。关于线条的阐述，大家可以去查阅徐庆元的《笔迹线条的触觉心理》（贵州省新闻出版局），或者是其他相关书籍。在这里，我主要想对线条的方向性作一点说明。 图画心理学中认为强调横向线条表示无力和害怕，而我们都知道，横在所有的笔画是最能表示和维持稳定的，如果过于强调这一种笔画，自然说明书写者内心对于稳定的追求和内心的不稳定感，或者是保守的倾向。在刘兆钟先生的《笔迹探秘》中，在谈到“通篇横向笔画明显”时，认为这种特征表示书写者“有恒心和毅力，情绪较为稳定，处事不惊。遵循着固定的模式，很少有独特的见解。虽然求稳怕乱，但在一些问题上仍有些莽撞。”[4] 如果过于强调竖向的笔画，则表示个性刚直，有正义感，有主见。反应机敏，精于某种技艺，思维存在惯性定式，生活情绪单调，适应能力弱。 如果线条多曲线，且柔弱无力，图画心理学中说表示绘画者厌恶常规，而笔迹中如果遇见这样的线条，则说明书写者在性别认证上存在问题，往往会有一个强势的母亲。 此外，无论是什么方向的线条，只要线条过长，或者是很僵硬，则反映出书写者的固执与不够灵活，甚至是攻击性倾向。李中滢先生的《重塑心灵》一书在提及NLP的十二条前提假设时说：“灵活亦是自信的表现。自信越不足，坚持某个模式的态度会越强硬。” [5]换句话说，越是固执的人，他的自信就越不足，他就会固守于某种模式，害怕改变，在被逼迫改变时，会产生攻击性行为。 图画心理学中还有许多方法可以被笔迹分析学习、借鉴，由于笔者对图画心理学只知有一不知有二，还望方家指点、批评，并进行补充。 [1]严文华：《心理画外音》，上海画报出版社，2003年6月第1版，264页 [2]严文华：《心理画外音》，上海画报出版社，2003年6月第1版，274页 [3]赵庆梅：《笔迹分析与测试》，辽宁人民出版社，2001年9月第1 版，117页 [4]刘兆钟：《笔迹探秘》，上海科学教育出版社，1997年4月第1 版，20页 [5]李中滢：《重塑心灵》，知识出版社，2002年6月第1版，17页 绘画治疗例—画狗游戏在游戏的治疗中Kissel (1990 ) 也有提到有关的游戏治疗类型： 如表… 使放松的游戏类型 使变紧的游戏类型 1. 黏土 2. 蜡笔画 3. 油漆 4. 指画 5. 音乐 6. 拳击带 7. 水 8. 沙箱 9. 木偶戏 1. 缝纫 2. 模型 3. 卡片 4. 棋类 5. 纸牌 6. 规则性游戏 7. 录像机 8. 镜子 儿童绘画治疗游戏举例 --- 画狗游戏 1. 功能： 减低幼儿对情境的焦虑不安，有助于建立趣味性，不具威胁的谘商关系，促进幼儿的口语表达，尤其适合第一次谘商时使用，做为后续活动的暖身。 2. 材料： 纸、笔 3. 实施程序： 1. 辅导员可以先自我介绍，然后询问幼儿「你曾经玩过画画的游戏吗？」随后辅导员在画纸上画出一个方形。「从前有一间房子」辅导员一面说，一面画，在方形上画上两个小窗及一扇门，「它就像其它的房子一样有两个窗户和一个门，还有一个尖尖的屋顶和两支小小的烟囱」。 2. 辅导员引发与幼儿的互动，「这个屋子里住了一位小小孩你说他的名字叫什幺呢？」，如果幼儿未做回答，辅导员就为他取个名字（如『保保』）。「好，保保住在这个屋子里，还有谁也和保保住在这个屋子里呢？」若幼儿回答时，辅导员可给予专注并且做简短的反应，若幼儿未回答，辅导员则接着说：「保保和他的爸爸，妈妈还有一只小狗住在一起，你想这只小狗要叫做什幺名字比较好呢？」同样的等幼儿为它命名，若幼儿未做反应，辅导员则为这只小狗命名（如『猫』）。 3. 「保保很喜欢猫，每天晚上都要抱着猫睡觉。有一天早上，当保保醒过来的时候发现猫不见了。保保赶快跑到门口去找猫。」( 自屋子的门向外画一条线) 问儿童「保保有没有找到猫呢？」如果儿童回答「没有」，辅导员就注意他的意见，继续下一步骤，如果儿童回答「有」，辅导员就说：「保保走近一看，发现那只狗跟猫长得好象好象，可是它不是猫。」 4. 辅导员说：「于是保保开始到处去找他的好朋友猫。」在这个步骤中，辅导员要把保保找猫所走过的路线画出来，每到一个转折处便问孩子「找到猫了吗？」如果儿童回答「没有」就同意他的意见「对，还是没有找到」，如果儿童未回答或回答「有」，辅导员就说「保保好高兴，走近一看发现那只狗跟猫长得很像，可是仍然不是猫。」进行到第四个凸出处时，辅导员说「保保突然想到猫最喜欢到一个地方去玩。他心理想猫一定是在那里玩。你猜，猫最喜欢到哪里玩呢？」若儿童回答某一地点，就依儿童回答的地点继续下一个步骤，若儿童未回答，辅导员就说「猫最喜欢到公园去玩了。」 5. 「于是保保赶快跑到公园去找猫。保保在公园里一直找，一直找，...」辅导员用弧线画出如动物尾巴的线条，再问儿童「保保到底有没有找到小花呢？」 6. 辅导员问「保保找了那幺久，都没有找到猫，你想他会觉得怎幺样呢？」适切的情绪反应是「难过」或与之意思相近的情绪词，「他会很快的走回家，还是慢慢的走回家？」，不论儿童的回答是什幺，辅导员一面说一面完成这幅画的最后一笔「保保找不到猫，心理很难过，头低低的慢慢的走回家」 7. 最后，辅导员问「你看这幅画变成什幺了！」通常儿童的反应是「猫回家了」「他看起来像一只狗」，但也有一些儿童仍然感到一头雾水。 儿童绘画发展与诊断 一、 自我表现的开始──涂鸦期（2~4岁） (一) 涂鸦的意义 幼儿的涂鸦是其视觉经验和身体、手指肌肉动作协调的一种产品，也是一种本能的表现。幼儿的涂鸦创作是所有的感觉对外在世界的综合形，透过心理及大小肌肉活动而做的「自由表现」。此时期幼儿的涂鸦，与他们的感觉和动作经验有关。 (二) 涂鸦的分类 1. 随意涂鸦（2岁 －2岁半） 一岁大左右的婴儿即有随意涂鸦的能力。在随意涂鸦之初因将所有的精力集中在握笔和节奏的掌握上，所以呈现山的条和节奏感较不明显。两岁大左右的幼儿注意力集中的时间极短，且由于手眼协调能力差，无法将涂鸦的线条完全画在纸张的范围内。因主要靠整只手臂的动作，所以涂鸦的动作拙劣，画面上的留白部分多共有一「团」乱线的现象。 2. 控制涂鸦（2岁半 －3岁） 两岁半左右的幼儿在涂鸦时一旦开始反复他的某一动作，在画面上形成类似的轨迹，我们即可确定他已具备相当好的手眼协调能力。又因此时的幼儿已可灵活地运用其手肘关节，因此他的涂鸦画面上会出现左右或上下反复，进而大圈圈的画线。当幼儿从大圆圈乱线的复杂动作转换到小圆圈的细腻动作（手腕关节的应用）时我们亦可确定他的绘画发展即将迈入命名期。 3. 命名涂鸦（3岁 －4岁） 当幼儿的画面上首次出现「封闭性的线条」（类似圆的造型）时，在视觉心理学上，幼儿发现了「图」（圆圈）与「地」（背景）的关系－图从地里突显出来而具有特殊的心理意义。幼儿在此时期开始懂得把视觉经验的对象变成心象。并尝试把心象再现于其图画中；亦即，幼儿会把自己的生活经验与自己的涂鸦动作连结在一起，并为自己画来的点、线、圈……等加上意义，或象征某种事物而加以命名。幼儿在此时的想象性思考是简单的、分散的，故而他们在涂鸦作画时所讲的故事亦缺乏逻辑性。幼儿在自说自话一阵子后（约半年时期）原本布满画面，类似圆圈圈的图像会渐渐地分化，形成简单的象形图样，而迈向下一个发展的里程碑－前样式化期。 二、 表象的开端－前样式化期（4~7岁） (一) 前样式化期的重要性 在命名涂鸦期之后，幼儿开始有意识地去创造形体，并尝试利用其所自创的绘画语言与外界沟通。婴幼儿的涂鸦主要是一种感觉和动作的活动，而现在孩子却开始有表现的意图。此种表象的欲望往往带给孩子极大的满足感。幼儿开始有意识地创造形体，在这种新发现的关系中，幼儿经常追寻新的观念，而他将后快地建立起他个人的表现方式（约七岁左右）。在他到达此阶段之前（样式化前期），此种追寻有很明显的特征，即不断改变形体的符号；由于幼儿尚未建立起固定的绘画模式，所以我们可以在此阶段中见到变化很大的符号来表现一种或同样的物体。 (二) 前样式化期的绘画表现特征 1. 造型 (1) 人 通常幼儿的第一个表象符号便是人。基本上，这个人是由一个大圈圈代表头，二条直线连接在此圈圈下面象征双腿。因其外型类似蝌蚪，我们称之为「蝌蚪人（encephalopod）」是四岁至五岁小朋友画图上常出现的人物造型。蝌蚪人的人物造型是跨文化、地域的共通造型，反映出幼儿在此成长阶段对人的概念。发展心理学家Piaget认为幼儿阶段（2~4岁）的认知历程，是一种「符号化的智能发展」，此阶段的幼儿渐能使用各种符号，以及分辨符号和实际事物之间的区别。在此时期，幼儿是以各种感觉去了解世界，而且常常把注意力集中于某些事物的一些细节（通常是在「感觉」上较吸引他们的事物），并未能对该事物有整体性的了解，所以无法认识部分与全体的关系。 (2) 方形 圆是幼儿绘画里出现的第一个几何造型，而直到四岁左右，幼儿才会画或仿画一个方形。方形的出现告知我们幼儿的发展又迈向另一新阶段。方形的出现也暗示孩子已渐渐脱离全然的主观、物我合一的自我中心期，开始能够客观地关心周遭环境，并尝试商度地调整自己，以便能与环境和谐地共存。因此前样式期可说是建立幼儿生活常规的最佳时期。 (3) 格子、栅栏状或其它反复呈现的简易造型 幼儿沉迷于一笔一划、机械似的反复动作里，单统的节奏、规矩的造型似乎能满足幼儿内心的某些渴望。人类追寻界限（boundary），害怕超越自己界限的原型，似乎在此一造型中呈现了端倪。绘画表现反映个体此时此地的情境。处于常规形成期的幼儿若画面中常出现反复的造型，应是符合其心龄发展（age-appropriate）的视觉表现方式，反映其努力克制自己的冲动，以符合外界规范的历程。 (4) 一般表现符号 此阶段幼儿画面上出现的物体，均是他们感兴趣的。物体的造型以几何为主，尤其是圆的造形。此期幼儿的语言能力发展急速，再加上他们控制冲动的能力仍旧薄弱，圆或弧的形体能较随意、快速地表达，以满足他们即刻见到回馈的需要。 2. 用色 此阶段儿幼儿图画中的用色看起来似乎是随意的，与所欲表达的物体没有明确的关系，但却也可能依循着某一原则来施用。此时幼儿的认知能力正快速地成长，但怹的情感方面的成长，仍停在幼稚期，十分主观，没什么现实感。然幼儿虽随意地用色表现，但这并不意味着色彩对他们而言没有意义。图画的色彩与实际物体色彩间或许没关系，但与幼儿个人情感都有某种关联。虽然前样式化期的孩子尚未发现所用的色彩与所欲表达的物体之间的确切关系，但用色、涂色对他们而言，可以是个非常刺激、有趣的经验。 3. 空间表现 在此初次尝试表现的阶段，幼儿的空间概念显然与成人的空间观截然不同。幼儿以他们能够理解的态度去置放他们所欲描写的物体，或上、或下、或旁，但显然地，这些物体都并非和幼儿本人一般，「落实」在地面上。幼儿所描绘的物体间存在着深厚的情感关系，但物与物之间，却缺乏客观的逻辑关系，即便是物体间的大小比例亦是如此。自我中心期的孩子常将物体拟人化的心态，导致一草一木皆有生命。画面中物体放置的位置、大小，均是他价值判断（情感为主）后的产物。幼儿画面中的空间关系，可以说反映了他整个的思考历程。 4. 美劳活动主题 前样式化期的孩子，对人，尤其是对自己和家人最感兴趣。事实上，当他第一个人的符号－蝌蚪人出现后，人物的造形即不断的变化。知觉能力的快速成长，亦使得幼儿能将从事各种不同活动所感受到的，尤其是对那些有深刻体会、有意义的经验，藉由美劳活动具体地将概念呈现。此阶段中，最基本的主题可由强调其对身体某部位的知觉概念着手。对此阶段的幼儿而言与自身的感觉和感受，亦即和他们情感世界有直接相关性的主题才是较能引起共鸣丰富其经验概念的好题材。然幼儿画面中物体的大小虽反映其对该物的价值观，但就美劳教学的立场而言，强调物体的大小、澄清大和小的关系亦是重要的课题。因此利用「大」或「小」来做形容词的主题亦是能激发其情感表现的主题。此外孩子心中也可能随时都有一个主题，如特殊的生活经验等，并不需要特别的诱发即可能表现出来。 三、 形体概念的形成－样式化期 (一) 样式化期的重要性 经过一段时期的尝试与探索，不论是人或物，七岁左右的孩子终于发展出种种令他满意的符号象征。正因此种象征符号，若无特别的经验刺激，会反复不断的出现一段时间（约两、三年）我们称之为样式。我们会发现样式期的孩子在绘画时会因画面需要，而出现一些概念化的样式。比如需要画一棵树，则他的样式化的树便会出现，其造型和孩子同一时期，别张画的树十分类似。 大体而言，幼儿园大班与小学一年级期间，可说是前样式期到样式期的转折期，绘画的表现表反映出儿童的身心发展状态，如： 空间表现────与智力、知觉、人格发展有关。 图画用色────与情绪、感情的成长有关。 (二) 样式化期的绘画表现特征 1. 造型 (1) 一般物体 七岁孩子的一般物体造型应是个可以辨识的象征符号。孩子对物体各部位的感情及认知，影响该物体的绘画造型。大体而言，所有物体均以几何造型来呈现，反映出「概念化」及「普遍性」的特质。对孩子而言，某种造型等于树，当画面上需要有树出现时，其「样板树」便会出现。 (2) 人物 人的造型仍以几何构成为主。样式化期的孩子画人，并无写实的意图，不会比较人之间脸形的不同，只是给予同样的代号。如：圆形──表人头；长方形──表躯干等。至于孩子为何选用某一特殊符号来代表身体的某一部分，则有赖于对该部位的认知与了解。七岁孩子的人物画，通常均已将人的重要部位表现出来。而当画面上出现多位人物时，可能每个人均面朝方，表情一致，即使有两人面对面聊天，也很少将此二人用面对面的形式呈现。 2. 空间 空间概念的发展为个体认知发展中非常重要的一项。样式化时期儿童的空间概念发展反映在画作上的，唯一将物体随意期置的处理方式，渐转为较具次序性及逻辑性的空间安排。 大体而言，「基底线」的概念为所有空间表现形式的基础，暗示着能区辨物我关系的基本态度。 (1) 基底线和天空线 在空间关系上此阶段的孩子很清的意识到，物体间存在着某些秩序关系。不像前样式化期的幼儿把所有的物体、随兴的布在画作的空间里。因此，儿童的画作中是否有基底线的出现可为邻断儿童是否达到六到七岁心理年龄的必要条件之一。 相对于基底线概念的，即是「天空线」，通常这是由一朵朵蓝色的云和一个太阳所整齐排列而成的一条线。 (2) 『空间的变奏式』 为了表现此阶段孩子一日千里的认知成长、及对事物丰富的感受，许多不同的、主观的空间表现形式，也应运而生，故称之为空间的变奏式。其形式如下列所述： Ａ 展开法 此为比较主观的空间表现方式之一。 其特征是画中的人物、事物常会上下倒或物体字纸长的四周向此中心靠拢。此表现形式暗示孩子对周遭环境的极度兴趣。而此种表现法为样式化期儿童的专利之一。 Ｂ Ｘ光透视法 亦是儿童常用到一种有趣而非视觉表的方式。在创作历程中儿童完全忽略悼不可能同时观察到物体的内部和外部的事实。因此该物体便以「透明」的方式呈现。 Ｃ 鸟瞰法 为了在同一空间内同时呈现多样物体，儿童可能采用「鸟瞰法」，以表达整个场景的方法作画时，作者会变比较客观，与物体间的心理距离较远，并可能常是以「描述」的方式纪录每个人或物的位置和造型。 Ｄ 时间和空间的再现法 此法与俗称的连环画的形式极为类似，即是在一张图画中，表现事物在不同时空中的一些印象。 3. 用色 在此样式化时期，儿童会自然的发现到，色彩与物体之间似乎存在着某种关系。就像是样式化的人在此时期一直反复的出现一样，孩子也会用一些固定的色彩，来描绘某些特定的物体，以表现物体在最永恒的状态所表现山的色彩。物体「固有色」（即色彩的样式）的建立和其经常不断的被使用，可以说是儿童思考过程的一部分。而事实上，不同的文化、家庭对男、女生的管教方式和期待等等的价值观，都会影响样式化阶段孩童的绘画表现。成若批评此阶段孩子绘图的用色，或强行灌输色彩学的概念，往往会打击孩童的自信，令他对长久以来所发展出来的价值观念产生怀疑，徒增不必要的困扰。 解释绘画作品的基本原则 解释绘画作品的基本原则 （１）需理解绘画者的社会背景及文化背景。 （２）观察其作画时之踌躇、内在问题、集中度、散漫度及注意其依作品所编出的故事。 ＊解释是在分析构成绘画作品的各种要素考虑包含于作品中阴性与阳性型格之诸要素的总合。 ★从绘画的意愿、意图、情感、意志及身体性等各种因素的昂扬、退缩、推移可看出病态水准（病理性的表现）。 ★从描绘的人物像的配置、型态、行为、装饰、相貌、姿态等绘画的形式及时间性、空间性、象征性、全体样式的完成度可看出绘画的内容。 Ａ．全体性 （１）空间配置（placement）－中心在右边--安定的、统制性的 偏左边--冲动的、要求实时满足欲望的 （２）左右对称（symmetry） －明显的不对称时→性格的不安定、统合性的降低 （３）分离（dissociation） －排除自己无法认同或接纳的行为、语言。画与描述语言之间的分离是宣泄行为 （４）色彩绘画－利用色彩诱发情感并可收集其对情绪状态的反应及耐性 无色彩画--以温和的方式显示其攻击姓 （５）顺序（sequance）－从检讨绘画的过程可了解矛盾与防卫的特征 （６）笔触（pressure）－显示内在能量的水准。恒常性的。 （７）详细化（detaiiling）－对自己的世界有部确实的、不能掌握的、有危机感 (８)线条（stroke）－长线条→统制性的 短线条→冲动性的 人格的呈现。 Ｂ．人物 ★人物画通常是个案本身的投影或对个案来说是很重要的人及个案对″人″所持的一般性概念。 ★自画像可说是″回顾自己的一出戏剧″（黑井千次），由年龄、生涯阶段、遇境等制作背景，与自我认识的表现结合。 （１）头－缺其它部位，他过大→自我（ego)处罚，妄想症、自恋的个体 （２）面部－社会性相貌。忽略面部突显身体其它部位→人际关系有困难 （３）嘴巴－饮食、肥胖的过多焦虑。一直线的嘴巴→紧张 （４）眼睛－自我的焦点。险恶的→妄想病童投射出的敌视形象。 亮晶可爱→不信任 （５）头发－发饰→性认同。性犯罪女孩→波浪状人体、详绘的头发及乳房 （６）颈部－省略→不成熟的象征 （７）手臂和头－模糊或缺乏→互动时缺乏信心。收插入口袋→逃避、回避 过大的手臂→追求力气或曾用手做过违反社会禁忌的行为 (８)腿和脚－社会冲突的指示物。有竟问题的个案→省略腰部以下的部位倾向 Ｃ．被强调或抹销的图案 Ｄ．不自然的事物 Ｅ．个案对绘画内容的解释或故事 Ｇ．特殊型态 ＊家族画 （１）家人的大小－最具影响力、支配性的人愈大 （２）位置－将自己画在喜欢的人的身边 （３）相似性－和自己喜欢的人相似→钮扣、饰品衣服等细节上的相似 （４）家人或自我的省略－省略不喜欢的人。省略自我→缺少安全感或归属感 （５）孤立及互助－感到被忽略或非家庭一部份的个案→将自己画的很远或最后画 （６）人物画的姿态，模样常是个案对其所持的情感表现。如家人穿著暖和的衣物时，常是欠缺被爱或温暖及意志消沉的表象。 ◎过度的解释会增加个案对于治疗的抗拒，不能增加洞察力，尤其防卫较脆弱的统合失调症患者，当其防卫瓦解时，可能导致混乱状态的发生。 ◎绘画的详细解释，通常是个案回去之后才进行的。与其根据一张画作解释，毋宁重视从几张绘画所得到的整体印象。 ◎解释的功能不在诱导洞察，而是治疗者要确保治疗的稳定和方向。 ◎治疗情境上，焦点并不在于绘画的内容，而是描绘时所感受的心情，然后自然的谈到绘画的内容。「看来很快乐吗？」、「今天好象没有心情画」，诸如此类，传递治疗者的印象，患者自然把话题转移到绘画内容上。 ◎对于慢性统合失调患者则要审慎使用语言，透过绘画去促进其内省，最好是根据患者有限的表现内容去说明。 ◎解释的目的不在于用语言进入患者的内在世界，应该是给予患者的心像一种结构，使其定位在治疗者-患者关系中。所以不要立刻去推敲绘画的内容，才能和患者一起欣赏他所完成的画。 绘画的评鉴过程有状况诊断、过程诊断和疗效诊断，兹叙述如下： （一） 状况诊断：治疗者分析患者投射到绘画的心理状态，做为诊断的参考。 如：妄想型统合失调患者较易在风景画表现其特征。他们的画有时候马路会像空中伸出，地平线在半路中断，而天空与地面连在一起，在空间的认知上容易出现偏颇。妄想较严重时，会忽略远景和近景的距离感，让人看了会有一种特殊的压迫感。反之，慢性统合失调患者往往随着内在精神的贫穷化，只画类型化的呆板画。郁症患者常以缺乏生命力的脆弱的线条绘出煞风景的画躁症患者常用原色，在画纸上以迅速的笔势描绘，有时候从画纸上跑出来绘在画纸背面或描绘好几张。 （二） 过程诊断：凭绘画了解患者的病况如何变化，在确定患者关联性时很有帮助。 如：妄想型统合失调症患者所描绘的内容从非现实的表现逐渐变成现实的，则表示患者的病状渐趋安静。又如忧郁症患者能够把色彩表现在绘画上，笔触有力，使用画纸的范围扩大，则表示患者已逐渐从郁状回复了。值得注意的是，郁状恢复期，患者往往描绘有自杀念头的画。 （三） 疗效诊断：绘画能够明显表示患者的人格水准能保持到什么程度，因此可以得到外显言行所不能判断的部分。 如：统合失调症患者，即使其言行看来很混乱，如果绘画的型态能够保持一致，其疗效也相当不错。反之，语言表现的内容或生活状况看来相当稳定，可是一旦绘画，只能描绘内容贫乏的画之病患，日后崩溃的可能性更大。 绘画可以应用在测验上，能够实时把握在绘画上所表示的讯息，对于决定治疗方向有很大的意义。 图像的转译与美术的释读最近读到一篇很有意思的文章，内容是关于精神分析学大师弗洛伊德对米开朗琪罗的《摩西像》的解释（《艺术纪要》[The Art Bulletin]二○○六年三月号）。根据文章作者玛丽·伯格斯坦（Mary Bergstein）的研究，弗洛伊德对意大利文艺复兴艺术的这一名作情有独钟，不但在一九一四年发表了一篇对它的专论，而且在若干场合下把自己和《旧约》中的这个犹太预言家相比（弗洛伊德本人也是犹太人）。弗洛伊德文章中最重要的论点关系到《摩西像》的内涵——米开朗琪罗的这个雕像所表现的是《圣经》中的哪个情节？所刻画的摩西是处于何种精神状态之下？他的动作和表情的含义又是什么？弗洛伊德对这些问题的回答不但显示出他作为一个心理学家的独特见解，也反映了美术史研究的一个历史转折。 据《旧约·出埃及记》记载，摩西按照上帝的旨意引导以色列人逃出了埃及，上帝给了他写有“十诫”的石板，首条戒律是不可信奉其他神和制作它们的偶像。但当摩西拿着石板走下西奈山的时候，他所看到的却是以色列人已经用黄金铸造了一个牛犊，正在对它狂欢拜祭。震怒之下，摩西把法板扔到山下摔碎。十九世纪的欧洲美术史家一般认为米开朗琪罗的《摩西像》所表现的正是这个情节：摩西的头部激烈左转，注视着膜拜金牛的以色列人，严酷的表情表达出内心的愤怒。虽然仍然坐着，但他上身挺直，一腿前伸、一腿退后，似乎在激动中正突然站起。继之而来的就将是摔碎石板的刹那。 但是在弗洛伊德看来，虽然这个众所周知的《圣经》故事确实给《摩西像》提供了大致的叙事内容，米开朗琪罗所表现的却是《旧约》中没有明确付诸文字的更为微妙的心理活动:当石板从摩西手中滑下的瞬间，这位犹太圣者实际上已经控制住了他内心的愤怒。弗洛伊德的根据是他对雕像的一个细节的观察和解释。在他看来，摩西右手的动作——他引手向胸，手指插入旋涡般的胡须，使之平息下来——所反映的只可能是他对自己激荡内心的约束，而非暴烈情绪的外在发泄。《摩西像》表现的因此是一位具有强烈自我控制力的人类领袖，而非以威慑力量使同族人震服的半神。 在伯格斯坦的文章中，她联系到二十世纪初的欧洲政治形势，以及弗洛伊德本人的犹太情节和人文关怀等各个方面，解释了弗氏对《摩西像》的看法。但是她最出乎意料的发现，也是和本文主题最有关系的论点是：弗洛伊德的释读实际上是基于雕像的照片，而不是现场的实物。伯格斯坦的一个根据是，弗洛伊德文章中所附的很可能由他自己所绘的线图（表现摩西看到以色列人膜拜金牛犊时的一系列动态反应）所根据的是弗拉特利·阿里那瑞（Fratelli Alinari）于一八八○年左右拍摄的、在十九世纪末到二十世纪初广为传布的《摩西像》照片。她还举出其他证据说明弗洛伊德在研究这个雕像的时候确实使用了摄影图像，甚至还特别请人拍摄了细部。 按照常理推想，弗洛伊德这样做的原因可能是因为他无法直接到现场研究这个雕像，因此必须借助于照片。但这并不符合实际情况，因为当他写那篇文章的时候正在罗马，而且不止一次地参观了这个位于梵蒂冈圣彼得大教堂的著名雕像。那么弗洛伊德为什么必须要使用照片呢？这就牵涉到这篇短文希望讨论的问题，即现代美术史中的描述和解释往往根据摄影对原始作品的“转译”，美术史家对照片的依赖实际上成为他们释读美术品的先决条件。 弗洛伊德在二十世纪初写作《摩西像》的论文的时候，美术史正处在从一般艺术欣赏和古玩家的业余爱好转化为一个现代人文学科的过程中。这个“科学化”的过程极大地得力于摄影术的发明和推广。实际上，我们可以认为摄影从本质上改变了美术史的运作。无论是对资料的收集还是对分析的方法，照片（以及后来的幻灯片和数码影像）都起到了一种中间介质的作用，把不同媒材、形式、尺寸的美术品“转译”成为统一的、能够在图书馆和图像库保存和分类的影像。这种转译大大地扩展了美术史家占有资料的范围和能力：它使得研究者足不出户就可以对大量资料进行分析，而且还可以细致观察一般看不到或不容易看到的形象，如高空拍照的城市和建筑照片、数千里外的考古发掘现场以及被蓁埋的历史遗迹。由于照相资料对美术研究的用处如此明显，一些学者在摄影术发明后不久即建议设立图像档案。如一八五一年时已经有人提出系统拍摄意大利文艺复兴三杰之一拉斐尔的作品的动议。八年以后，美国作家奥利弗·W. 霍尔姆斯（Oliver W. Holmes，1809—1894）预言，在将来，摄影图像将如书籍那样充满图书馆，被艺术家、学者和爱好者广泛使用。当代学者罗伯特·S. 纳尔逊（Robert S. Nelson）在一篇很有见地的讨论幻灯教学和美术史研究的关系的文章中指出，霍尔姆斯的这个预言终于由数码技术的发明而得到最后实现（《批评研究》[Critical Inquiry]第二十六期，二○○○年）。 但是照片对美术史的影响远远不限于提供资料。更重要的是，对这种“转译”材料的使用在三个重要方面改变了美术史的基本思维方式。第一个方面是“比较”式论证方法的盛兴：从十九世纪下半叶开始，美术史研究和教学越来越以图像的比较作为立论的基础。与其对某件作品做专门的实地观察，美术史家越来越习惯于在书斋或教室里考辨图片的异同，而这些图片所显示的是现实中不可能共存的对象，或是法国和意大利的教堂，或是希腊和罗马的雕像。这种新的研究方法解释了当时出现的一些重要美术史理论。比如瑞士学者亨利希·沃尔夫林（Heinrich Wlfflin，1864—1945）对现代美术史影响极大。他通过比较文艺复兴鼎盛时期和十七世纪的艺术，得出五对“艺术表现的普遍形式”，认为这些形式的转化是所有艺术传统发展的内在规律。无独有偶的是，沃尔夫林是最为提倡使用照片资料的美术史家之一，而且被认为是最早在美术史教学中同时使用两台幻灯机的教授。他在一九三一年著文说明这种教学方法的优点，指出演讲者可以随意运用各种各样的图像，包括细部、放大以及变体等等，来深化对作品形式的分析。这种讲演方法随即成为美术史教学中的正统。纳尔逊认为它代表了美术史教学从“以语言为基础”到“以视觉为基础”的重要转变：幻灯片不但提供了立论的证据，更主要的是决定了阐释的结构，成为知识生产中的一个主导因素。 从“语言”到“视觉”的转化也就是从“空间”到“视觉”的转化，这是摄影改变美术史思维的第二个重要方面：当复杂的建筑物和三维的艺术品被再现成二维的图像，当这些照片或幻灯成为研究和教学的主要材料，“视觉”就成为研究者和美术品之间的唯一联系。如果说参观一个建筑时人们需要穿过连续的空间，在实地欣赏一个雕像时会走来走去，不断转移视点，那么这些身体的移动在看照片或幻灯时就都不需要了。特别是在听幻灯讲演的时候，听众坐在黑暗的讲堂里，一边听解说一边看着一幅幅放大了的和经过特殊照明的图像。他们和艺术的关系被缩减为“目光”（gaze）的活动，而他们注视的对象是从原来建筑和文化环境中分裂、肢解下来的碎片。 “碎片”的概念进而联系到摄影对美术研究的第三个深层影响，即研究者日益增长的对“细节”的关注。如果说十九世纪上半叶的美术研究仍基于对美术品的笼统印象和宏观美学评价的话，十九世纪下半叶以后的美术研究则成为对“有意义的细节”的筛选和解释。这种倾向在鉴定真伪、确定时代和作者、风格分析、图像志研究等各种美术史领域中都成为主流。研究者的基本技术是通过寻找和解说美术品的细节以证明某种结论，而这种细节的最佳来源无过于摄影。实际上，我们可以认为美术史照相资料的一大功能就是提供细节，一件著名作品往往被分解为几十个以至上百个细部，研究者因此能够对一张画的微妙笔触或一个建筑上的局部装饰图案进行精细的研究，做出历史或审美的判断。一些十九世纪的欧洲学者，如著名的德国美术史家安东·斯普林格（Anton Springer，1825—1891），因此把摄影术称为“美术史研究的显微镜”，其功能在于使研究者摆脱主观臆断，使他们的研究日益精确，逐渐进入“科学”的层次。 回到弗洛伊德对《摩西像》的研究，我们现在可以了解为什么他必须以照片作为直接分析的对象。弗洛伊德曾记述自己在圣彼得教堂参观这个雕像的现场经验，但他在那里感到的是孤独和无能为力：摩西似乎在愤怒地注视着他，使他觉得自己似乎是那些丧失了信仰、沉沦于偶像崇拜的群氓中的一员。是照片使他重新具有了学者的自信，因为他可以在这些图像中冷静地发掘出“垃圾堆般的日常观察中未被注意到的特征”。而他所找到的证据——摩西平息自己胡须的手指——恰恰是这种别人没有注意到的细节特征。 这个特征当然是原作的一部分——米开朗琪罗的《摩西像》确实具有这个动作。但这只是这个雕像的无数特征之一。一个在现场参观的人的观感是他与所有这些特征互动的结果：当他在雕像前移动位置和改变视点，他会看到《摩西像》的不同角度和侧面；他的印象也会被教堂的光线、建筑环境以及周围的其他雕像所影响。这些视觉条件大都在照片中消失了，所留下的只是从一个特定角度摄取的一个特殊的二维图像。作为再现或转译，这个图像同时在取消和强调雕像的某些特征。以弗洛伊德所使用的阿里那瑞的照片为例，从这个角度，摩西的面部表情和双腿的动作成为次要的方面，甚至无法看见；而他的胡须和手的动作成为照片最中心的形象。弗洛伊德文章中登载的另一幅《摩西像》照片进而显示了摄影转译的另外两种功效。首先，通过对照片的剪裁，原来的全身雕像在这里被改造成半身像。其次，原来的建筑环境被抹去，代之以灰色的平面背景。这两种改造，再加上摄影师对摩西面部表情的特殊关注，使得这幅照片成为二十世纪初人们心目中的一幅典型“肖像”作品，而这类肖像为弗洛伊德的“精神分析”提供了最贴切的视觉根据。 从弗洛伊德写作他的文章到现在已经将近百年，但是美术史研究仍旧在很大程度上延续着他释读《摩西像》的逻辑。虽然对“原境”（context，或译成“上下文”）的重视引导许多美术史家去重构历史上的建筑环境和视觉环境，虽然考古学和文化研究的发展促使美术史家更多地注意图像的物质性以及与其他物像的关系，但是对大部分人来说——甚至在大部分美术史研究者心目中——美术品的摄影再现仍代表了“事实”本身。换言之，这些再现——无论是照片还是数码图像——仍在有效地隐藏自己的“转译”作用和能力。举两个中国美术史上的例子，虽然照片或幻灯把一幅手卷画转化为不相衔接的印刷插图，它们仍可以自豪地宣称自己是原作的替身。虽然我们手中拿着的精美画册把敦煌石窟分解成一幅幅图像，我们感到自己只是在更加精确地研究建筑和雕塑原物。 这两个例子可以说明在释读美术品时使用照片的两大危险。一是不自觉地把一种艺术形式转化为另一种艺术形式，二是不自觉地把整体环境压缩为经过选择的图像。中国传统文化中的手卷画是一种非常特殊的艺术媒材，其最基本的两项特征是它的强烈的时间性和私人性。与架上绘画不同，手卷的创作和阅读是在时间和空间中同时展开的。而展开的节奏和方式由画家本人或主要观画者控制，其他人只能在他的旁边或身后观看。这两个基本性格进而决定了手卷画的其他特点，如开放型的构图（与架上绘画不同，长幅手卷实际上并没有总的构图界框）和观看的固定距离（一般是胳膊的长度）。但是当一幅手卷以照片或幻灯片来表现的时候，所有这些特征就都消失了，观众看到的是“转译”成类似于架上绘画的具有明确界框的一幅幅图像。 敦煌石窟则属于传统美术中的另外一种普遍情况，即由多种艺术形式构成的艺术综合体。每个综合体——殿堂、石窟寺或墓葬——常常经过整体设计，其中建筑、绘画、雕塑的配置具有强烈的宗教或礼仪的意义。比如敦煌晚唐到宋代的石窟往往反映出一种流行设计程式：中央的台座上供奉着以雕塑表现的佛像及菩萨、弟子；两壁展示的大型经变画则代表了佛的教义。前后壁往往装饰着维摩变与降魔变，均采用二元的“对立式构图”（oppositional composition）表现辩论或斗法。这种设计的主要根据在于它的象征意义；大量的“功德记”进一步说明了修造石窟的主要目的在于祈求功德，而非纯粹的艺术欣赏。（在原有的采光条件下，画在后壁上和佛像背屏后面的巨大壁画实际上也很难让人看见。）但是当这些壁画被现代的照相和照明技术记录下来并印制成精美图册的时候，它们的意义就从宗教的贡献变成了视觉关注的对象。 现代美术史家因此身处两难境地：一方面他无法不在研究和教学中利用摄影图像的便利，一方面他又必须不断地反思这种便利的误导。这种情况和现代人与传媒的关系颇为类似：我们只有通过报纸和电视才能知道世界大事，但传媒从不客观，而是不断对事实进行剪裁和转译。面临着这种无法解决的矛盾，本文的目的在于提醒美术史家对自己的工作保持清醒，在解释美术品时回想一下弗洛伊德的前例：我们所用做根据的究竟是美术品本身还是它的再现影像？我们的立论如何被图像的“转译”所规定和引导？ 流行漫画的心理治疗意义古丽丹 申荷永 （华南师范大学心理系 广州 510631） 摘要：当前，在都市的年轻人中流行漫画热，这种现象并不是偶然的。流行漫画体现了时代的心理治疗意义，是时代发展的一种自我调节。本文从流行文化的心理影响、艺术表现的心理分析及漫画自身的特点三个方面考察了以朱德庸和几米的作品为代表的流行漫画的心理治疗意义。 关键词：流行文化 漫画 心理治疗 阴影 近年来，台湾漫画家在大陆掀起了一阵阵的漫画热。蔡志忠、朱德庸和几米的漫画作品在内地的销售量引人注目，出现了"朱德庸现象"、"几米现象"。不仅如此，漫画还带动了相关的影视文化。如朱德庸的作品《涩女郎》被改编成为电视连续剧，导演杜琪峰也准备把几米的代表作《向左走向右走》制作成电影。同时，《向左走向右走》还被ＥＭＩ百代唱片公司制作成了音乐专辑，种种迹象表明我们已经进入了一个漫画流行的时代，漫画比以往任何时候都更深入人心。"吃蔡"、"尝朱"、"品几"不仅成为都市人生活的一部分，同时流行漫画也引领着时尚文化潮流。我们这一代人，几乎在同一时间里都喜欢上了漫画。 成人漫画受到广泛的热爱，这种现象并不是偶然的。无论是朱德庸的漫画还是几米的作品，它们与以往的漫画或那些没有流行起来的漫画不同的是，它们不仅时尚，而且关注的是每一个人都具有的内在的人性。几米受到广泛崇拜的事实本身就说明几米的漫画触动了一代人最深层的心理层面。那些我们熟悉的而又被忽视的感受在几米的漫画里得到了充分的关注和慰籍。而朱德庸是个特别喜爱观察人的漫画家，他的作品反映了现代社会男男女女的世俗心理，并且以独特的幽默方式去理解七情六欲中渗透的人性，去化解现实生活中的许多矛盾。这些流行漫画，使我们看到了自己，看到了我们的生活方式，看到了积极面和消极面，看到了我们的人性。它是我们现实生活的投射，也是我们心理的投射。它自然而然地促使我们进行思考。从这个角度来看，流行漫画，与其说是一种文化，不如说是一种理解；与其说是一种理解，不如说是一种治疗。它体现了一种深层的心理治疗意义。 一、作为流行文化的心理影响作用 （一）、文化与人性的相互关系 仅仅是作为一种文化，大众喜爱的漫画就必然与所处人群的人性有着密切的关系。上个世纪关注文化的心理学就已经在文化与人格之间的相互关系上提出了不同的见解。起初，弗洛伊德注意到了文化对于人格的影响。他在1913年出版的《图腾与禁忌》一书中从图腾的普遍性断定俄狄浦斯情结的普遍性，而一切文化都是被压抑的本能欲望的升华。自20年代中叶始，波亚士及其两位著名的女弟子本尼迪克特和玛格丽特·米德等人通过大量的现场研究，所得出的最终结论是，不同的文化塑造了不同的人格，文化对人格形成起决定作用。由此看来，社会中的基本人性是文化的产物。 但文化并不是一成不变的，就如同我们这里探讨的流行文化，它是一种文化变迁的潮流。对于文化变迁与人格之间的相互作用，精神分析社会文化学派的代表之一阿布拉姆·卡丁纳的观点颇具有代表性。他认为一个文化结构可以分为初级制度和次级制度。初级制度决定一个社会的基本人格，同时基本人格结构又通过投射系统塑造次级制度或适应性文化。所谓投射作用就是主体潜意识地将自己的过失或不能满足的欲望归咎于客体，以便减轻内心焦虑的过程，即投射是由挫折引起的，人格是对挫折的反应，次级制度或适应性文化是挫折经验的潜意识的派生物，是人的主观愿望的曲折体现。 卡丁纳的观点得到了普遍的肯定，文化的变迁来源于人格发展的需要，一种文化倾向的产生包含着心理需要的投射，同时，一种文化的发展方向也反映着一个社会的基本人格发展方向。所以当我们社会的基本人格在某个时代表现出某个明显的消极面，文化所起的治疗意义是必然的，也是深远的。人本主义心理学曾就现代人所面临科学技术与人类生存的二律背反问题上，强调社会文化应促进人的潜能的发挥和普遍的自我实现以解决现代人的困境。 （二）、流行文化与人性的可塑性 精神分析与心理人类学家梅尔福特·E·斯皮罗在他的《文化与人性》一书中说道："由于人类行为是由文化决定的，而由于文化的变化很大，所以可以对人性下的唯一正确判断是它的可塑性很大。" "因为个人和文化之间不可能发生冲突，个人只有在内部体现了文化的内在化，才和文化处于一种协调状态。这就是说，个人所做的与文化要求他们所做的是一致的。"这简单的几句话道出了文化对于人性的作用原理--我们都不可避免地要与所处社会的文化保持一致，因此，我们也容易理解为什么流行文化能够那么快深入人心了。流行文化正是以内化和渗透的过程影响我们的价值观，正如日本的社会心理学家藤竹晓所说："流行是把和以往不同的行为方式导入人们的生活，是一般化的过程。流行不仅是某种思潮、行为方式渗透社会的过程，而且，通过这种渗透过程，流行队伍的扩大，还包含着不断地改换人们价值判断的过程。" 由此可见，流行文化对人性的影响是潜移默化的，这也是流行漫画的心理影响方式。 二、作为艺术的心理治疗意义 （一）个人意义和时代意义 美国艺术治疗协会的主席Shaun McNiff 说："艺术作为一种治疗，在任何地方都自然的发生着。"从艺术的角度来看，流行漫画具有其自身的心理治疗意义，一个现实的反映就是我们所关注的两位漫画家本身。朱德庸和几米都曾经经历过心理困境，在他们的心理成长过程中，漫画都起到了主要的和重要的作用。 几米曾坦言，创作本身对他确实是一种治疗。1995年，几米被发现患了血癌。生病的那一段日子，对几米的创作影响很大。许多人在阅读《森林里的秘密》、《微笑的鱼》甚至是《向左走·向右走》时，都能够感觉到书里巨大的悲伤、寂寞与失落。几米承认，自己在创作中不知不觉地投射了自己的真实感受，这个过程令他感到愉快，同时也巧妙地将他从"被禁锢在自己的恐惧里"，带至较明朗的天空底下。几米在书中展示了他对生命的感悟、对人性的理解和对城市的洞察，很具有感染性，有人就因为看了《微笑的鱼》而重拾生活的热情。 朱德庸也表示，在他的求学阶段，画画就是一种心理治疗。"在学校里碰到一些很不如意的事，不管是人是事，回到家我就画画，把所有情绪都发泄到图上。在学校某一老师让我非常气愤的时候，回家在我的画上他一定死得非常惨。在这个过程中，我无法接受任何事情。我跟老师、同学的交往好像完全没有，完全是孤单的。我所有的情绪，只是在画画中才得到满足。" 朱德庸认为，他无法适应的学校生活，是一种社会制度的象征。"我无法适应这种人人都要适应的秩序。从小时候起，我就希望过一种自由自在，可以按照自己的意愿去支配自己的生活，可这种生活实际是这个社会秩序所无法允许的。"对于朱德庸而言，漫画创作是一种自我实现的需要，同时也表达了同一时代人的共同需要。 漫画的特别之处在于它是一种讽刺、幽默的艺术。它常常通过夸张、比喻、象征、寓意等手法去批判现实生活中的某个主题。它常常关注的是某个特定时期人性中熟悉却又受忽略的消极面。从分析心理学的角度来看，漫画要表现的主要是时代的阴影。因此，漫画的治疗意义，不仅是个人的，也是时代性的。 （二）存在的问题 心理分析家荣格曾说过："每一历史时期都有它自己的倾向，它的特殊偏见和精神疾患。一个时代就如同一个个人，它有它自己意识观念的局限。"后精神分析家霍尼也很重视时代文化中的特殊困境："在我们的文化中，存在着某些固有的典型困境，这些困境作为种种内心冲突反映在每个人的生活中，日积月累就可能导致神经症的形成。" 现代社会，科技越来越发达，物质生活越来越丰富，一切看起来都越来越好，可另一方面，现代人却越来越空虚，越来越茫然。Robin Robertson在他的《阴影的舞蹈》一书中指出："就是在我们站在世界的顶端，因为成功而兴奋的时候，阴影就出现了！无论什么时候，当我们自我感觉特别好，觉得生活正在变得越来越好的时候，黑暗就把我们的自满破灭了。 我们可以从朱德庸的漫画中看到现代人的茫然和冲击。他对漫画集《涩女郎》中"涩女郎"的定义是："她们都有强烈的自我主张与生活态度，但经常是浮动不定的；她们外表上个性独特，或经常被旁人贴上类型化标签，内心却是一群不那么确定自己的人；她们不管是突破束缚、或是遵循传统而活，其实她们并不真正知道自己要的是什么。""因为在这涩女郎四个里面，虽然各有各的不同的主张，但是在我的漫画里面一直呈现出，她们其实非常矛盾的，有的时候她们因为只是流行，或者说某种状况，被迫去做了某一种选择，但这个选择其实并不是为她自己选择，而是为别人的需求的，所以我觉得她们那一切想法，都还不真正的成熟，所以这是属于比较生涩，所以才会取名叫《涩女郎》。" 而在漫画集《醋溜族》中，朱德庸关注的是现代商业社会对中国传统文化、观念产生的冲击，"其实现在的《醋溜族》反映的就是当今台湾年轻人的心态：他们很为自己活，在乎自己，知道自己想成为什么样的人，不管是从内心的还是先从外表装扮成这个样子。不再会做什么牺牲、奉献，全部为自己。对待爱情看成是用来点缀生活的。他们谈恋爱、失恋、再谈恋爱，对性也不再保守。台湾现在的问题是，十几岁的年轻人很开放，但不知道如何保护自己。" 与朱德庸不同，几米用另一种方式关注现代人的心理阴影。几米笔下的人物是那种非常易感的如浮萍的人，在现代都市的命运浪涛中升沉起伏。主人公具有文化气质和情感的敏锐，脆弱，敏感，混乱、失落、无根、自由漂移，用自恋的方式保持自我意识。几米充分表达了城市人的寂寞、城市人的忧郁、城市人之间如此靠近却又如此遥远的距离感。许多人在《向左走，向右走》看到了自己曾经有过的情感缩影，因而，该故事也被誉为"一本探讨现代都会爱情的经典"。几米却说："我想陈述的其实不是爱情，反而是都市的疏离与空间的隔离，只是藉着爱情故事来加强这种意象。" （三）、问题表现 在狭义的心理治疗中，我们都知道，当问题存在的时候，把问题表达出来本身就具有治疗意义。阴影的出现至少是试图治愈我们的骄傲，并且迫使我们对自身的发展有更清醒的认识。因此，漫画作品中时代阴影的出现具有其必然性。荣格在研究艺术家的创作时也表达了这样的观点。荣格认为艺术创作的最初动机就来源于集体无意识中的"自主的创作情结"。"自主情结"的形成是由于心理中集体无意识开始了自己的活动，并通过激活与之相联系的邻近区域而发展了的势力。当创作情结从人格的自觉控制中汲取了足够的能量时，集体无意识的内容便以一种创造性力量牢牢地抓住艺术家，他们身不由己，成了无意识说话的工具。因此，荣格强调在艺术创作中，原型在表现它自己。这种创作是超个人的。 漫画家朱德庸也表达了这种感觉："我不善于思考，一切都是那么自然。我觉得我一直还都是一个还未进化的史前动物。我一切都是很动物性的，我画画啊，我想什么啊，做什么事情啊，出发点是蛮动物性的，就像我画画，就像原始人一样，原始人还没有文字的时候，他感受到什么他就在岩石上边画。他哪有什么思考啊，根本就没有的。我觉得我也是这样。" 正因为作品是超个人的，所以具有广泛的感染力。这种心理效应也存在于几米的读者中，读者常常在书中唤起了内心中熟悉而久违了的感觉，甚至会觉得每一本书，每一笔划都像是自己在写，在画。他们的作品，令人觉得很亲切。 当时代阴影通过漫画作品表达出来之后，它就逐渐进入了人们的意识。心理分析家Andrew Samuels在解释阴影的作用时，曾经说："意识对阴影了解得越少，阴影就越黑暗，如果阴影被意识到了，它就有可能被纠正，但是如果阴影和意识分离了，阴影就无法被纠正，并且很可能在没有意识到的情况下爆发，成为我们发展的障碍。" 而荣格把阴影通过作品进入意识看作是人的心灵的自我调整的一种企图，是人在无意识深处想使人格得到发展的一种外部表现。阴影的显现可以影响到一个时代的自觉意识观念，它对每一个生活在那个时代的人来说都具有重大的意义。可以说，是时代呼唤着阴影的显现，艺术作品代表着一个民族和时代生命中的自我调节过程。 （四）、整合性治疗 所有心理治疗的目标可以分为两类：人格成长目标和问题解决目标。我们这里所说的心理治疗，是指广泛意义上的治疗，其目标便是广泛意义上的人格成长。即 "减少人格冲突"、"发展积极的生活方式"、"增强人格整合"等。 当时代的阴影通过艺术作品表达出来之后，其治疗意义并不是让人们去消除阴影，事实上，阴影也是不能够消除的。而是需要整合和发展的。心理分析家John Talley强调："阴影有很多，可能和感觉那么多，随着时间的推移，不同的阴影开始出现、转化、被另一个融化、消失、重现，最后成为意识。" 当我们面对阴影时，最重要的障碍就是我们那原来固有的非白即黑的观念。阴影的出现是一个信号表明我们现实生活太简单化了，太非白即黑，需要更多的灰色层面。以往的漫画，常常是带有很明显的批判现实主义的性质，而目前的流行漫画是漫画界的一股新鲜空气，虽然，主题仍然是时代的阴影，但是我们可以明显地感受到，这里没有对和错。朱德庸和几米分别以他们各自接纳和包容的态度来看待人性中的阴暗面。 朱德庸说："人绝对是有缺点的，人的可爱、有趣，也是在他有缺点，一个完美的人绝对是乏味到了极点。而且我从来不相信有什么完美。人性里面就是有他的黑暗面，但黑暗的一面有时候并不代表就是可怕的。有时候是有趣的，有时候是荒谬的。比如说爱情婚姻里面其实隐藏着非常多黑暗的一面，但就是这黑暗的一面让人觉得那么好玩。我的感觉就像是去淘古董一样，古董要是擦得干干净净、摆得整整齐齐，其实非常的没有意思，而它们堆在那里一堆，你自己去翻啊、找啊，弄得两手黑黑的，中间自有它的乐趣在。我觉着，人性的黑暗面也是这样的，每个人去挖了之后，其实心里都很开心，他知道这些东西是什么，他知道别人有他自己也有。" 而几米在书中表达的孤独、疏离、脆弱等都市情感，是对生活的热爱和体验后的一种流露。这些流露，没有怨恨，没有责怪，而是一种坦然接受。几米的漫画语言和画面很沉静，能够使人对整个世界的看法和态度都变得温柔起来，那些挫折、失败、苦涩和无奈都在几米的画中表现出美和哲理的一面。几米，改变了我们看待生活中消极面的态度。就像荣格所说的："心理治疗的主要目的，不是使人进入一种不可能的幸福状态，而是要帮助他面对苦难具有一种哲学式的耐心和坚定。" 三、作为漫画的心理治疗特点 （一）、通俗 漫画，除了具有一般的艺术特点之外，有其自身的特点，而这些特点也更有利于它发挥心理治疗的作用。首先，漫画是一种通俗艺术。它与现实生活有密切的接触，从而能更灵敏、更广泛、更细致地反映出时代特点。新闻界要使新闻通俗易懂就常用它来针砭时事。可见，漫画是一种使沟通变得更加容易的媒介或者方式。漫画家蔡志忠坦言他之所以选择漫画为业，就因为他深深感到漫画是一种"最具亲和力，最容易侵略读者的武器"。这类似于艺术治疗，治疗师常常以某种艺术表现作为媒介与当事人进行沟通，使那些难于通过言语表达出来的问题，或者当事人自己并未意识到的问题在这种媒介中表达出来。 （二）、幽默 幽默是漫画最重要的特点，这种特点本身就具有治疗意义。没有人会否认"笑"对于身心健康的意义。丹麦等国家的医生曾专门开会讨论幽默的医疗保健作用，认为笑可以减少忧郁，缓解紧张情绪，促进血液循环，提高免疫功能。但最重要的是，幽默使人心情轻松愉快。朱德庸说："我觉得漫画最可爱的地方就在于，其实真实的东西不是让人很愉快的，但是漫画超脱了这个，漫画就是用幽默的方式来让你看真实，所以看的时候你会笑，可是笑过之后你可能心里会思考：怎么会这个样子，甚至会想到自己的以后会不会这个样子。漫画最可爱的地方就在这里，它用一种很幽默、很诙谐的方式把这种东西给你看。" "其实社会的现代化程度越高，越需要幽默。因为人原来以为自己无所不能，长大之后才会知道我能征服、能掌握的是那么少。我做不到，我失败了，但我还能笑。这就是幽默的功用。"漫画中的幽默，包含着一种对现实的接受与肯定，也是对我们自身弱点的接受与肯定。其特点，类似于我们在心理健康中提倡的"肯定自我，悦纳自我。" 现代社会，当医学越来越依赖于科技的时候，精神的追寻也越来越依赖于艺术。当科学一方面把分类细化的时候，精神在另一方面就更要求整合性的发展，我们的时代已经明显地表现出对于人性健康发展的关注，因此，当前的漫画具有心理治疗意义是一种必然的趋势，也是时代发展的自身调节。 参考文献： 1、《文化与人性》 （美）M·E·斯皮罗著（陈俊等译） 社会科学文献出版社 1999 2、《流行的社会心理》 （日）川本胜著 云南人民出版社 1990 3、《分析心理学的理论与实践》 荣格著（成穷、王作虹译）三联书店出版社 1997 4、《心理学理论精粹》 叶浩生主编 福建教育出版社 2000年4月 5、《涩女郎》 朱德庸 现代出版社 1999年03月 6、《醋溜族》 朱德庸 现代出版社 2002年01月 7、《向左走·向右走》 几米著 生活.读书.新知三联书店 2002年01月 8、《我的心中每天开出一朵花》几米著 辽宁教育出版社 2002年02月 9、弗洛伊德与荣格艺术动力论比较 秦丽萍 《东岳论丛》 1998年第二期 10、漫画的功能与特性 李志杰 《中国水利报》 2000年12月2日 11、台湾漫画称冠经典漫画常青 邢慧娜 《中国图书商报》 2002年6月25日 12、Marianne Szegedy-Maszak. The Art of Healing. US News and World Report. 2002 13、Robin Robertson. Shadow Dancing. A.R.E. Press. Summer 1997 14、Andrew Samuels, Bani Shorter and Alfred Plaut. A Critical Dictionary of Jungian Analysis. Routledge & Kegan Paul Ltd. 1997 The Psychotherapy Significance in Popular Caricatures Abstract: Nowadays, many youths in big cities are interested in popular caricatures. This phenomenon is not accidental. It embodies a kind of psychotherapy as well as a self-regulating method that adapts to the development of the era. This paper intends to find out the psychotherapy significance in popular caricatures through analyzing the psychological effect of popular culture, the psychological process of art expression and the peculiarities of caricature. Key words: Popular culture Caricature Psychotherapy Shadow 作者简介： 古丽丹 女 1979.6 华南师范大学心理系2001级硕士研究生 电话：（020心理治疗 漫画 在画中读生命—“浅谈艺术治疗” 爱与尊重： 「我画好了!现在你是不是要开始分析我的画了?你从我的画中看出什么问题了吗?」 对「艺术治疗」一知半解的人，往往会问治疗师这样的问题，以为艺术治疗可以凭一幅画来看穿作者的心事，或者以为艺术治疗师只要一看到作品就会立刻对作者做心理分析，事实上，这是对「艺术治疗」最大的误解。 真正专业艺术治疗师绝不卖弄自己读画的能力，相反的，他们更懂得冷静的等待，等待个案酝酿面对自己的勇气，等待一个脆弱的心灵逐渐成熟，再耐心等待最后终于突破的一刻来临，这过程，有如细心保护一只苦苦挣扎，为了终能破茧而出翩然飞舞的彩蝶;这过程，艺术治疗师除了需要艺术创作与心理治疗的专业知识外，更需要的是：爱与尊重，这才是艺术治疗的本质。 艺术治疗的源起： 它是一门结合了「艺术创作」与「心理治疗」的新知，起源于1930年代的美国，当时由于一群艺术家在一所精神病院当义工，教精神病患画画，后来发现这些画画的精神病患病情有了相当的进展，而引起了精神科医师的兴趣，于是开始艺术家与心理医师的合作，产生了「艺术治疗」(Art Therapy)的新名词。在四、五十年间，艺术治疗已被广为运用，不再只是精神病患的一种治疗法，更被用在身、心障碍的儿童、青少年、慢性病患、老人以及癌末病人等等。今天欧美先进国家已将艺术治疗列为医疗团队里的一环，并且仍在不断研究与成长当中。 两大学派的主张： 艺术治疗后来发展出两大学派，一是：艺术创作的过程就是治疗(Art as Therapy)，此学派者认为创作的治疗性就在于它的过程：当一个人在完全投入创作时，会自然产生一种身心灵的统整作用，从而得到昇华，此变化发生时，语言的诠释已经不重要了，因此，艺术创作与治疗同时完成。 另一学派是：经由艺术创作而做的心理治疗(Art Psychotherapy)，此学派者认为艺术创作的治疗性不只是在于它的过程，更是在于对作品的诠释与探讨，由于作品是从潜意识流露出来的一种象徵性符号，必须透过语言的表白与诠释，才能解读，从而得到察觉、领悟与治疗，因此，从事艺术创作只是治疗的一部分。 事实上，在从事艺术治疗时，专业艺术治疗师往往是因时、因地、因人而採取不同的方式弹性运用，但原则上，不论採取何种方式，都必须先建立起一个信任的、开放的，与安全的治疗性关系，才有可能产生疗效。 创作活动在艺术治疗与美术课里的差异： 教室里的美术课有既定的知识与技巧要传授给学生，并且以学生作品的表现来做为教学成果的评量，以达一定的进度与目标，因此，学生在美术课里很难体验到创作的自由，反而受到许多的束缚，最后往往连幼儿时期涂鸦的勇气都失去了，对创作完全没有信心，也没有尝试的勇气，声称自己没有艺术细胞，再也不肯作画了。 因此，艺术治疗中最具挑战性的工作，便是去动摇一般人认定自己是「不会画」的观念，去说服人们相信创作是人类与生俱来的本能，并且让人们在尝试中去发现每个人都具有这个潜能，只要打开创作的泉源，生命便开始鲜活顺畅，内在自然产生一种整合作用，趋向平衡。其实早期心理学大师如佛洛依德以及荣格等人皆已提出：艺术创作与心理健康是息息相关的说法。 艺术创作的疗效： 临床实验証明：当一个人专注于创作时，生理上即产生变化，例如肌肉放松、血压降低、呼吸变得深长、脑波改变，而原有的疼痛或不适都会减轻，至于在心理上，缓和情绪忘却困扰、暂时超越了时空的限制、沉浸在创造的世界里、享受了内在的自由、同时身心灵得到了整合，这便是前面所提的「艺术创作的过程便是治疗」。 由于今天台湾从国外学成回来的专业治疗师有限，许多人有一个共同的疑问：没有专业的训练可以做艺术治疗吗?事实上，只要本著尊重的原则，懂得运用媒材，并且能够鼓励他人创作，即可帮助人们藉著艺术创作的过程达到纾解情绪的效果。当一个人能够找回童心，以孩子般游戏的心情、开放的态度去涂鸦，他便踏上了创作之路，而这样随性的自由涂鸦其实便是一个宣洩情绪的管道，也搭起了一座连结内在与外在的桥樑。 然而，如何去解读与分析一幅画，如何将画与潜意识做一个连结并深入探讨，都是必须有专业的训练才可行，因为心理治疗犹如动手术，非专业艺术治疗师者千万不可对他人作品轻易地做批判或对他人心理去做诠释与分析，以免造成伤害。 如何去读一幅生命的画？ 当创作结束时，个案有绝对的权利处理自己的作品，即使是由艺术治疗师保管，治疗师亦不可任意公开展示或解读个案的作品。若为了教育或医疗的目的而展示个案作品时，亦须事先取得个案的签字同意书。 一般说来，艺术治疗师在面对一件作品时，是先请个案谈谈当时的感受，并且询问个案是否愿意描述作品的内容，若是对方拒绝，也是被尊重的而不必做探索的部分：即使是对方愿意描述，艺术治疗师亦是以同理心与之回应、倾听并鼓励个案多谈，并不是像一般人以为的立刻去解读与分析。相反的，艺术治疗师往往在看见与听见个案所画与所说的部分是矛盾的时候，不去指出来，尤其是在信任与安全的治疗性关系尚未建立起来之前，更是要尊重对方，而不企图掀开潘朵拉的盒子。 那么，在什么情况之下，艺术治疗师才对个案作品作进一步的分析呢？这里就有许多因素要考量，例如有位癌症末期的病人住进「安宁病房」之后极为郁郁寡欢，甚至对人排斥，充满愤怒与敌意，当她勉强创作了一幅作品「病前与病后」时，画面中很清楚可以看到她的「非理性想法」：病前一切全是美好，而病后的一切全是丑陋，这样「全黑」与「全白」二分法的思考造成她严重的沮丧与消沉，这时候艺术治疗师和她建立治疗性关系已有一段时间了，所以便与她做了深入的探讨，由于这样的分析，她从画面上看到自己的内在冲突，也由于这样的探讨，她可以重新看到现实。 其实人生的每一阶段都有苦有乐，她承认在安宁病房中受到完善的照顾以及有许多从前未曾有过的享受，例如按摩、修指甲、音乐欣赏、艺术创作和悠闲的观赏日出日落，花园散步...等等，而她生病前无时不为生活奔波，充满挫败与艰辛，绝不是全然的美好，在这样的分析中，她的作品「病前与病后」变成为一个可以寻根的线索，抽丝剥茧之后她终于豁然开朗。事实上，一个人要如何看待自己，要如何过每一天，都是自己的抉择。 唤醒内在的智慧： 艺术治疗的可贵除了它的创作过程即有疗效之外，有时作品本身也能启发创作者的自我察觉、洞悉与顿悟的能力。这时候作品与创作者产生一种对话的互动关系，使创作者从中得到新的体悟，这种难以言喻的经验发生时，可以称做是唤醒了「内在的智慧」。 这种「内在智慧」的出现，其实才是一个专业艺术治疗师所真心期望的。笔者在艺术治疗的养成训练中，有绝大部分是在学习视自己成为一面明镜，清清亮亮的，没有任何投射的，将个案反照回去，去信任每个人都有这种「内在的智慧」。其中一段心路歷程是这样的：有一次笔者画了一幅小画，画中是一部汽车驶在黑暗群山里的一条窄窄山路中，自认为画得很满意，因为车的灯光虽小，但只要继续往前开去就已经够用，因为前面那一步的路永远亮著。我的艺术治疗师看了一会儿说：「你可不可以把它放大，尽可能的画大看看？」我心想当然没问题，想不到当我站在墙壁前用全身力气去画这幅钉在墙上的大画时，我整个人似乎跌进了这样的画面里，周围全是黑暗危险与未知，我发现自己置身于一个夜晚的荒山野外，内心的恐惧、慌乱与无助达到极点，那是一个充满惊惧的恐怖经验。 当我向老师描述这经验之后，他沉思一会儿说：「那么你可不可以把这幅画画成白天？」我心想绝对没问题，我从前主修国画，画崇山峻岭最拿手，想不到我又错了，这一次比上次更惨，我一再尝试在画好白天山景中去加上一部车，却总是失败，因为白天的光线与色彩使得一部车根本无法显现，我越画越焦急，这是前所未有的挫败经验，我一次又一次的企图把一部车画进这样的群山中，却终于发现是不可能的，我全心充满了焦虑与迷失，那种无助的感觉竟是与置身在大画里的黑暗中是一样的。 最后我很沮丧地向我的老师描述这样的歷程，他说：「好，让我们回到第一幅小画，现在，你对它有什感觉？」这时候的我用了一个全新的眼光看著自己在黑暗中的那部车，原来置身于这样的黑暗与惊险是我要的，原来，五光十色会令我迷失，原来，唯有在如此险恶的环境下，我才能激起自己的潜能靠著前面小小的灯光去走稳每一步。 人唯有发现什么是自己真正想要的之后，才走得心甘情愿，无怨无悔，这是我的老师帮助我去读懂的一幅生命的画。 绘画艺术治疗的理论取向绘画艺术疗法的理论取向大致可以分为三类 1． 以心理分析理论为基础的心理分析取向 2． 以人本主义思想为基础的人本主义取向 3． 以行为主义、认知理论和发展心理学理论为基础的心理－教育取向。 心理分析取向 心理分析取向治疗师遵循弗洛伊德和荣格的精神分析路线，把患者创作的艺术品看成是患者心理问题的表达，通过绘画艺术治疗揭示移情，回溯地处理患者过去发生的心理问题。 艺术疗法创始人之一的Naumburg（1966）提出了以弗洛伊德的无意识理论为基础的"动力取向艺术疗法"。她认为患者无意识的心理问题可以通过"自发的"艺术表达出来，艺术可以表达压抑的冲动。患者对图像的洞察可以让无意识进入意识层面，患者一旦了解心理问题的所在，真正和持久的改变就可能发生。 Kramer（2001）则强调弗洛伊德理论的"升华"概念。她认为艺术活动可以具有升华的作用，患者内部驱力可以通过艺术升华从而使其心理问题得到解决。她认为升华不是简单的心理行为，涉及到置换、符号化、驱力能量中性化、识别和整合等心理机制。 Wilson(1985)的治疗方法基于"象征主义"概念。象征主义是"某个东西代表、象征、表示其他东西"。Wilson认为创作视觉意象，发展了符号能力，使得受损的符号功能得到恢复。他发现自我发育迟缓的儿童和大脑损伤的成人可以通过绘画发展符号能力，治疗师的工作是寻求患者绘画符号背后的意义。 Robbins的方法以客体关系理论为基础。Robbins（2001）认为艺术反映患者的内部客体关系、相关的防御和发展问题。艺术形式提供了一个既非内心世界也非外部客观世界的空间，这个空间成为主观现实和客观现实的桥梁。治疗中患者症状空间出现时，鼓励搜索出隐藏的客体关系，找到在客体关系方面存在的问题。艺术形式有助于症状空间转换为治疗空间。鼓励患者发现适当的艺术形式重新产生客体关系。治疗师的作用是提供支持环境，使得症状空间得以出现，空间转换得以发生。 Lachman-Chapin的治疗方法以Kohut的自我客体理论为基础。Kohut(1978)认为，具有自恋特征的患者承受着内部空虚感、缺乏自尊、在社会生活和性生活上存在困难，造成这些困难的主要原因是在生命头几个月里与看护者共情失败。Lachman－Chapin认为治疗师对患者的共情反映（mirroring）是重要的治疗手段和技术。绘画艺术治疗中，这种共情反映是以绘画对话的形式进行。患者完成绘画后，治疗师依据患者绘画所表现出的需要水平，共情地用绘画作为回应。这为患者提供了体验最初经验的条件，个体以此能更为成功地参加到相互关系中。 Edwards（2001）强调图像的意义和作用。他认为艺术品、患者和治疗师这个三角关系中，艺术品调节患者与治疗师的关系，在某种程度上治疗师与患者的每个关系都是间接的。自发性绘画揭示了人格中的另一面，是与意识自我相对抗的隐藏的人格方面。治疗师要告诉来访者图像有自己的生命，无论出现什么都是无可挑剔的。治疗师促进患者与图像进行对话，让他们学习信任个人的内部形象，整合人格中不被接纳的部分。 人本主义取向 遵循人本主义的思想，强调个体有自我指导的能力、先天的成长冲动。治疗师尊重当事人的价值和尊严，接纳当事人的思想，创造有利于当事人自我成长的环境。通过绘画艺术治疗让当事人认识自我，自我接纳，自我整合。 Natalie Rogers是来访者中心疗法创始人Carl Rogers的女儿，她在父亲的来访者中心思想基础上，结合表现性艺术方法，创立了"来访者中心表现性绘画艺术治疗"方法。她（2001）认为心理治疗过程唤醒了创造性的生命力能量，创造性与治疗是重叠的，有创造性就有治疗性。她的绘画艺术治疗是创造一种来访者中心的心理氛围，来访者用绘画、音乐、运动等形式体验和表现自己的情感，来访者通过表现性艺术这种沟通内部现实（inner truth）的语言得以进入无意识之中，发现自己内心迷失已久的亚人格部分。表现性艺术唤醒来访者的创造性，促进其情绪伤害的康复，解决内部心理冲突，超越自己的问题，采取建设性的行动，达到治疗的目的。 Janie Rhyne以格式塔理论和格式塔疗法为基础提出绘画艺术治疗方法。格式塔疗法认为，每个人都能有效地处理个人问题，治疗师的中心任务是帮助来访者全面体验即时即景的存在。Rhyne（2001）的绘画艺术治疗要求来访者完成系列情绪经验（如恐惧、愤怒、快乐、悲伤等）抽象画。他认为这个系列是格式塔，每幅画是系列的一个部分，每幅画本身也是格式塔。完成绘画后，来访者描述、联想、解释这些画，比较这些画的相似和区别之处，用语言表达对图形的认知和所认识到的模式。来访者逐渐意识到是什么妨碍了现在的情感和体验，受到鼓励去体验和与过去"未完成的事务"（unfinished business）的斗争。来访者将逐渐拓展他们的知晓水平，整合人格中的碎片和过去不知道的部分。 Mala Betensky（1976）的治疗方法以现象学理论为基础。他强调艺术创作在整合个体主观经验的重要作用。Bentensky认为来访者完成作品后观看自己的艺术作品，作者变成旁观者，艺术表现和主观经验之间得到沟通与整合。他的绘画艺术治疗包括两个阶段：首先，来访者作为作者创作艺术，然后，来访者作为旁观者从现象学角度知觉图像。将艺术品置于一定距离之外，来访者进行现象学的知觉和描述，来访者可以清晰地感知作品中形式成分及其相互作用，揭示艺术品中包含的各层次意义。来访者的主观经验和艺术表达得以沟通，主观经验得以丰富。来访者学习以新的方式看待自己内部与外部的现象，为来访者的改变提供了可能。 心理－教育取向 行为绘画艺术治疗方法将行为矫正技术应用于绘画艺术治疗，用来处理情绪扰乱和心智发育迟滞的儿童。比较有影响的行为治疗技术是治疗师Roth（1978）提出的"现实成形"（reality shaping）技术。该技术首先确认儿童的艺术品中所传递的蹩脚概念（如房子、树、人），然后建造逐渐复杂的二维或三维模型，儿童在观察的基础上进行绘画。在这个过程中，治疗师给予言语提示或身体指导，对正确的动作进行正强化。 认知行为绘画艺术治疗方法一般是在绘画艺术治疗中结合认知行为技术（CBT）来进行治疗。Rosal、Ackerman和Johnson（1994）应用艺术疗法与CBT处理具有心理残障的男性性侵害者。他们用艺术材料创造社会环境。一旦环境建立，导致攻击行为的活动模式被引出、记录、讨论和纠正。当适应不良的行为出现时，患者被要求确定问题互动的前兆，讨论可替换的行为模式，试图练习新的行为模式。Gentile（1997）应用CBT/绘画艺术治疗程序治疗具有饮食障碍的妇女。通过创作艺术，这些个体能够获得内部的控制感，这意味着她们不必控制饮食来体验个人力量感。她发现获得对个人需要的控制导致内部控制感的提升。Motto（1997）在艺术疗法中使用系统脱敏方法处理有紧张情绪的饮食障碍患者。她让患者在威胁最低的情绪状态下进行绘画，在绘画中表现威胁性更大一些的情感和应对这些情感的方法。她发现绘画艺术治疗有助于实现认知行为治疗的目标，如挑战不合理信念、获得掌控和控制，获得积极内部强化。 发展性绘画艺术治疗方法依据儿童心理发展理论，对心理发育迟滞或身体障碍所致发展落后儿童进行绘画艺术干预，以促进患者认知、情绪机能的发展。Aach-Feldman 和Kunkle-Miller （2001）以艾里克森的心理社会发展理论、布鲁纳的认知发展理论和Golomb（1974）等的艺术正常发展研究为基础，对具有身体、认知和情绪障碍的儿童进行干预。不同发展阶段儿童干预的主要任务不同。感觉运算阶段的主要任务是，鼓励依恋与区分自我、他人、客体；获得积极感觉定向与简单运动图式；发现因果关系。前运算阶段主要任务是，促进自主；促进情感表达与分化；感觉辨别和知觉形成的发展；发展象征能力。Silver（2000）依据皮亚杰的认知发展理论，采用艺术活动形式促进听力损害、学习失能、认知损伤患者的认知发展。她的绘画艺术治疗主要干预儿童的顺序概念、空间概念和概念形成的认知技能。Silver通过油画着色变化发展顺序概念，通过观察绘画发展空间概念，通过刺激的绘画发展分类概念和想象能力，通过粘土模型发展空间、顺序和类别概念。 如何成为艺术治疗师？问：我想问有关艺术治疗师的进修途径及前途,在那处可获有关资料 答：你问有关艺术治疗师的进修途径及前途，以下是我所知道的一点点资料，希望能解答你的问题。 何谓艺术治疗? 艺术治疗是一种独特的心理治疗方式。在艺术治疗师的协助下，透过美术材料及创作过程，激发当事人的个人创作力；促进当事人全面发挥个人潜能。 艺术治疗利用艺术作沟通工具。透过这种治疗关系，当事人得以处理自己的情绪、人际关系及个人成长的各种需要，进而持久地作出改善。在艺术治疗师的陪伴下，当事人透过创作视觉图像（绘画、素描、模型等），把心中的思绪、感情，释放出来，而不是把它抑压下去。 当事人无须任何艺术创作经验，因为在艺术治疗中，涂鸦及零碎笔划都同样受到重视，与完整细緻的图像具备相同价值。 艺术治疗将艺术视为非语言沟通工具，所以，艺术治疗并不著重作品的美感，而著重让当事人在一个安全、受支持的环境下，透过深入探索及清晰阐明，把隐藏在潜意识里面的东西呈现出来，让当事人了解当中的意义。 艺术治疗进修途径 到目前为止，香港只有艺术治疗的体验工作坊，主要是港大持续进修学院的Introduction to Art Therapy 及Certificate in the Foundations of Art Therapy ; 不过，修读完这两个课程后，你都不可以成为专业艺术治疗师。 香港艺术治疗师协会 (HKAAT)则定期举办Art Facilitation Training Program，由专业治疗师训练各服务界人士成为 Art Facilitator，利用艺术作为支援/辅助。 假如要成为专业艺术治疗师的话，则只有到英/苏格兰/美/加进修专业课程这途径。 在英国，要修读艺术治疗师，通常首先拥有一个艺术/心理/或其他与心理学相关(如辅导/教育/社工)的学士学位，除须有相关的工作经验外，还要加上有个人艺术创作的証明。进修两年到三年就可以得到 Post Graduate Diploma in Art Therapy or Master in Art Therapy。 在美国及加拿大，艺术治疗的课程五花八门，水准也颇参差，有些课程的认受性也成疑，要选择到美加进修的话，需要格外留心。今年开始，星加坡的某艺术学院举办艺术治疗师的硕士课程，现正招生，五月截止，七月开课，入学条件同上。有关的资料，请参考以下各网站。 Art Therapy Experiential Courses in HK HKU The Fundamentals of Art Therapy Course - 36 hours HKU SPACE Introduction to Art Therapy - 24 hrs Certificate in the Foundations of Art Therapy -100 hrs http://hkuspace.hku.hk/sitesearch/index.php?q=Art+Therapy&content=eng&btn=Website+Search&g=0 Open U Introduction to Art Therapy Course -25 hours ADA (Arts with the Disabled Association Hong Kong) http://www.adahk.org.hk HKAAT (The Hong Kong Association of Art Therapists) http://two.guestbook.de/gb.cgi?gid=747328&prot=mhlmxc Art Therapy Training Programs in UK/Scotland/Singapore University of Sheffield, UK http://www.shef.ac.uk/scharr/courses/arttherapy.htm University of Hertfordshire, UK http://www.herts.ac.uk/extrel/PGP2002/faculties/art/ma_artther.html Goldsmiths College, UK http://www.goldsmiths.ac.uk/study-options/professional-and-community/list-pg-progs.php Queen Margaret College, Scotland http://www.qmced.ac.uk/at/default.htm The Findhorn Foundation, Scotland LASALLE-SIA College of the Arts , Singapore http://www.lasallesia.edu.sg/secondary.html 艺术治疗师的前途 艺术治疗师为各类人士提供服务，亦在不同环境里工作，例如：医院、復康中心、学校、医疗中心、监狱、社区中心，或从事私人执业。服务对象包括家庭、普通及有特殊需要的成人及/或儿童。艺术治疗亦应用于长期病患者或接受纾缓护理人士。艺术治疗在香港还是起步阶段，香港目前的艺术治疗师，寥寥可数，也不能单靠这份工作维生，有些治疗师更要兼职美术教师，才能找到足够生活费呢！不过，随著人们对艺术治疗的认识，这份专业应该会慢慢获得认同。 问：倪老师您好 几个问题想请教您 1.想请问你在美进修艺术治疗是哪一所学校呢?学校在艺疗的特色是? 2.在美国附属于college的艺疗所和university的艺疗所有任何面向的不同吗? 3.于美国取得艺疗所的硕士学位后就可以考艺术治疗师的证照吗?证照有期限吗? 4.在台湾以美国艺术治疗师的证照执行谘商相关业务是被许可的吗? 谢谢您喔 答：您可收集相关资讯于台湾艺术治疗学会网站http://www.arttherapy.org.tw/。建议您可参与学会所办理的不定期研习，增加对此专业的了解与认识台湾艺术治疗界的朋友。 我个人是Hofstra Univ.毕业，此艺疗所的理论取向为完型治疗，实习场所可自行决定，但大多在纽约大都会区。硕士学位后完成一定时数的工作经验被督导时数后就可以取得艺术治疗师的资格，相关资料可参考美国艺疗网站 www.arttherapy.org此外你可参考台湾艺术治疗朋友所架设的资讯网站http://www.artheals33.net/index.php很遗憾目前在台湾美国艺术治疗师的证照并无法取代谘商心理师执照，因此建议您在学期间要修习相关心理谘商学分才能具备台湾考照资格。 一个「艺术治疗」的故事六岁的小杰有著一对又大又亮的眼睛，白晰的脸蛋衬著鲜红的小嘴，任谁看了都会忍不住赞叹一声：「好可爱喔！」 可是，谁也想不到他却是一个被命运之神捉弄的孩子：因为，小杰的父亲一年前才车祸去世，现在，与他相依为命的母亲又不幸得了肝癌，已是末期，住进「安宁病房」。 我第一次见到小杰，是接到医院社工的紧急求助电话而前往支援。在「安宁病房」的长廊中，我见到一个小男孩正嚎啕大哭，一边叫著：「不要！不要！」 一个高大的中年男子正拉扯著小男孩的手臂，这孩子拼命的挣扎，旁边站的是焦虑的医院社工，她见到我，急急走过来低声的说：「小杰的母亲就快死了，她想见小杰，但我们就是没有办法把他弄进病房。」 然后，为我们介绍：「这位是我们医院的艺术治疗师--吕小姐，这是小杰的舅舅--白先生。还有，这就是小杰。」 我对愁苦著脸的白先生点点头，蹲下来向小男孩伸出手，说：「嗨！小杰，要不要跟我去玩一下？」 他立刻用力挣脱他的舅舅，把小手放进我的手里，似乎迫不及待的要逃离那个地方。我牵著小杰的手站起来，边走边回头，给满脸错愕的白先生一个安抚的眼神：「放心吧!」 我知道社工会暂时照顾白先生的。 于是，小杰被我带到医院的「艺术治疗工作室」，里面五颜六色的作品和画材立刻吸引了小杰，柔和的灯光与音乐使得工作室中充满一片温馨。我让小杰东摸摸、西看看了一会儿，再拿出一盒彩色笔，掀开盒盖，说：「小杰，这是一盒有味道的彩色笔哦！你要不要闻闻看？」 他好奇的走过来，拿出一枝，打开笔套，再凑近鼻尖深深吸了一口气，眼睛顿时亮了起来，他小声的说：「是草莓的味道耶！」 再试另外一枝，「是西瓜！我最喜欢吃西瓜了！」他一枝接一枝的闻著，泪痕犹在的脸庞渐渐红润起来。 这时候，我把他的一只手放在图画纸上，问他：「你会不会用这香香的笔来描你的手？」 同时示范给他看。他说：「我会。」就认真的描绘起自己的手来，不到一会儿，小杰把手从纸上拿开：一个蓝色的小小手印出现在图画纸上，他兴奋的说：「看！我的手！」 「哇！小杰好棒哦！」 然后，我把自己的手放在纸上，同时抖动著我的手指，用挑战的口气问他：「现在，我要看看你会不会画我的手？」 「我会。」 语气充满自信，抓起笔就想描绘起来，可是，我故意不合作的上下左右的移动和伸缩我的手指，他必须用另一只手来紧紧抓住这些不听话的小东西，开始变得手忙脚乱起来。他先是发出吃吃的笑声，然后渐渐爆出尖叫和大笑起来，和我玩起纸上捉迷藏。 最后，当然这五只顽皮的野兽都被神勇的小杰一一驯服，终于完成了任务。 「你好厉害哦！小杰！」当我把手从纸上拿开，他还在咯咯的笑著，只见画面上一只端端正正的蓝色小手被红色大手的线条歪歪扭扭的围绕著。 趁著他还在得意的时候，我故作严肃的说：「这一次很难哦！我要--看你会不会画妈妈的手？」 「我会！」 他不假思索的回答，并且立刻从椅子上跳下来，我们于是手牵手走向他母亲的病房。 进入妈妈的病房，小杰立刻垂下眼皮，我注意到小杰避开的是他母亲的脸。当我把病人的手轻轻放在纸板上时，孩子立刻按住妈妈的手描了起来。 床头摆著一张病人过去的放大照，我内心深深的叹息著：也难怪这孩子会如此抗拒与害怕！这真是他的妈妈吗？连我都不禁怀疑。照片中是一个非常美艷迷人的年轻女子，而眼前的景象却是如此不堪入目，孩子的母亲已被病魔与药物折腾得不成人形了：一张脸有原来的两倍大，不只头上浓密捲曲的长髮全部失去，连眉毛与睫毛都不见了，最可怕的是一只无法闭上的眼睛，那水肿的眼球突出在眼帘上，好像快要掉出眼眶的模样，如何不叫这孩子看了惊骇莫名呢？ 强逼孩子来见妈妈这副模样是多么残忍的事啊！但妈妈临终的心愿又怎么能被辜负呢？ 「罗太太！小杰正在画你的手哦！你感觉到了吗？」我试著与病人沟通。没有反应。 「小杰！妈妈的手好柔软喔！你摸摸看！」小杰学我在妈妈的手背上摸了几下，又继续画。 「告诉妈妈你用的是什么颜色？」 「粉红色！妈妈最喜欢粉红色了！妈妈，这笔香香的呢！你有没有闻到？」小杰低著头，对著妈妈的手说话。 不能言语的妈妈眼角静悄悄的滑下了两行眼泪。 坐在一旁的白先先掏出手帕掩住了自己的脸，医院社工轻轻走出病房。 描好了妈妈的一只手，我们就一起离开了病房，这只手印可能会是小杰一辈子最珍贵的纪念品，虽然他现在还不知道。 第二天小杰又被带来见母亲，只是这次白先生直接把小杰带到「艺术治疗工作室」。我让小杰与我对坐，一起用条长线把各色珠子穿成项鍊，渐渐的他就开始叽叽喳喳有说有笑起来，毕竟人世间的坎坷还不是这小小心灵能够理解的。在边工作，边游戏中，小杰已穿出一条长长的鍊子，趁他嬉笑著把项鍊套在我的脖子上时，我问小杰：「你会不会帮妈妈戴项鍊呢？」 「会呀！」 于是我们又一起进入他母亲的病房。这次，他爬上病床，垂著眼皮将项鍊从妈妈的脖子底下绕过去，我在另一边帮他把鍊子接过来打了个结，挂好在妈妈的胸前。 他怯怯的偷看妈妈一眼，说：「妈妈，这是我做给你的项鍊。」 想不到这时候妈妈的嘴唇动了，发出沙沙的声音：「谢谢你！」 这是妈妈在世的最后一句话。 再过一天小杰的妈妈就走了。我永远忘不了小杰母亲去世的那个晚上。 那天晚上小杰所有的亲人都来到医院，每个人都在流泪，除了小杰。他仍待在「艺术治疗室」中嬉笑玩闹。 他告诉我：「我的爸爸死了，我的奶奶死了！我的小狗也死了！现在，我的妈妈也死了！」 像唱著一首歌，他的语气中有著无奈却听不出悲伤。这个六岁的孩子甚至安慰正在哭的小表哥： 「我希望你的爸爸和妈妈永远不会死。」 他要求这天晚上的创作题材是彩绘他的脸，并且选了一个印第安战士的脸谱。他坐在镜子前，我和他一起在他脸上涂抹著一道又一道的色彩，当镜中出现了一个兇恶的战士时，他很满意的咯咯笑。 整个晚上他就戴著这个印地安战士的面具在玩耍。 或许没有一个人能够真正了解小杰的心，但这个六岁男孩有他自己的表达方式。 白先生持续的带小杰来看我，至少每週两次，维持了有半年之久，直到他们搬到离医院很远的一个城市。 小杰在这段期期间有很多的创作。多半时候，我会让他选择他想要的画材，除了平面的绘画之外，他也做些立体的雕塑。这些材料包括了水彩、油漆喷画、沙石、木材和报纸杂志。我也利用许多小杰母亲生前之物做为他创作的材料，例如他母亲的衣物、照片、饰品…等等。 另外，游戏治疗中的沙箱之类也常用来做创作前的暖身，小杰最常把所有的小塑胶玩偶，不管是人物、动物或房子全埋进沙里。 这样的模式也可在他的图画中经常见到，他会把细心画好的图用大笔沾上黑色颜料涂抹上去，销毁一切，或是搬来一块大石头把刚做好的劳作压扁，然后满意的说：「我做好了！」 在我们「艺术治疗工作室」中，有一群能干而慈爱的义工，有位擅长做布娃娃的蓝妈妈更用了小杰母亲生前的绒布睡衣，为小杰缝了一个非常可爱的大熊宝宝，让小杰在夜里彷彿可以抱著妈妈入睡。 那段与小杰一起工作的日子，点点滴滴犹在我脑海中，而最难忘的一幕却是发生在小杰母亲的灵前。 那一天，是小杰母亲的出殡日，我去探视小杰，他的家人忧心忡忡的告诉我小杰的牛脾气又发作了，他死都不肯进入灵堂，更别说靠近棺木了。 我在挤满了来悼念的人群中到处寻找小杰，最后才发现他整个人缩成一团，藏在一个角落的沙发椅垫下面。我正安抚他时，小杰的表哥跑来对他说：「小杰！他们有把你做的项鍊放进你妈妈的棺材里哦！」 我看见小杰似乎心动了一下，就说：「是真的吗？小杰，你带我去看！」 他立刻跳了起来，拉著我的手穿过层层的人墙，跑进灵堂，并且爬上棺木旁的凳子，整个身体就趴在棺材上。 「看！我做的项鍊！」 当他正为自己感到骄傲的那一瞬间，小杰突然像触电一样，眼睛瞪得大大的，动也不动的紧紧盯著妈妈的脸，怎么回事？！那个躺在棺材里的妈妈已经不是医院里可怕的妈妈，而是从前那个漂亮的妈妈了！ 我知道尸体已经被仔细的处理过，水肿消退了，脸上化著彩妆，眉毛弯弯的，嘴角还笑笑的，头上戴著捲曲浓密的假髮，最美丽的是在那淡雅洋装上闪亮的--小杰做的项鍊。妈妈双手交叠紧紧握著的正是小杰送给她的最后的礼物。 就像有个魔法师把魔棒一挥，全世界在一剎那间停顿了，大厅里嗡嗡吵杂的人群突然像木头人一样被钉住了，一片鸦雀无声。大家全都望著小小男孩一动也不动的伏在妈妈的棺木上。 过了好像有一百年那么久，小孩才从魔法中甦醒过来，我在他身边悄悄的说：「好美丽的妈妈呀！」 小杰的眼睛没有离开妈妈，声音好像梦呓一般，也用耳语回答我：「是啊！」 那就是小杰见到的妈妈的最后一面。那一天真的世界停顿了，那神奇的一刻不只对小杰是永恆的，对我也是。 用艺术打开自闭心结本地有一小群人，不是艺术家，每天与艺术为伍。他们以音乐、戏剧、美术和舞蹈代替针筒和药物，用艺术给人治病。 彩虹中心玛格烈道特别学校音乐治疗师吴美珠用音乐辅助特别学生治疗。 有没有过这样的经历：观看一场演出、一场音乐会，甚至是一幅画后，有股莫名的暖流在心里游动？艺术，除了能带来娱乐、刺激思维外，还有一种特别的力量，可以打开内心那扇门，潜入最深的那片海。 本地有一小群人，不是艺术家，却每天与艺术为伍。他们以音乐、戏剧、美术和舞蹈代替针筒和药物，用艺术给病人治疗。 用音乐打开孩子的心 吴美珠是彩虹中心玛格烈道特别学校的音乐治疗师。这天早上，她在音乐室里为患有自闭症的儿童进行治疗。房间里摆放着三角铁、手鼓等多种容易让孩子上手的敲击乐器。 “晓婷跟伟明说哈?……”，吴美珠边唱歌边拿出各种乐器让孩子触摸、玩奏。患有自闭症的儿童，犹如被判入无期徒刑，他们无法和外界沟通，长期困在自己的囚房里。他们的集中力有限，不时到处跑动吵闹，耍弄摆在一旁的其他乐器。吴美珠不断尝试用歌声和乐器把孩子们引导回来。 轮到玩海鼓时，其中一个孩子有了相当大的反应。他自动回到坐位上，一改玩闹本色，轻轻把耳朵贴在鼓面上，静静聆听着潮起潮落。 这个平静的画面虽然只维持了几十秒，但对这孩子来说，却已经是向前跨进了一大步。 治疗师不是教艺术 不是每个人都有表达自己的能力。各种艺术形式如音乐、舞蹈、戏剧和美术，能为一些人提供一个与外界沟通的途径，打开他们的心结，释放受困的情绪。这些往往是文字所无法办到的。 “拿音乐来说，任何人即使是最低智能的人，都会对音乐有所反应。”吴美珠说。音乐治疗师的工作是发掘对方的需求、所喜欢的音乐，然后根据这些资料为个别对象设计疗程。 彩虹中心在10年前开创音乐治疗部门。创办人勒伊特斯（Audrey Ruyters）说，当音乐响起，很多人会完全变成另一个人。她记得，当她在英国为老年人进行治疗时，原本内向的病人，一听到音乐，就会缅怀起过去的岁月，开始跳起舞来。 心理健康学院治疗师沈素心（右二）采用戏剧形式对精神病人进行治疗。 “我们的任务不是教音乐。艺术治疗跟美学无 关，它的重点在于让对方表达自己。”她说。无论是正面或反面的反应，对音乐治疗师来说都具有价值，即使对方对音乐表现得很抗拒，那也是个反应。 精神病人以戏剧透露心事 艺术治疗主要还是一种辅助治疗，必须配合药物、化学治疗、物理治疗等其他疗程进行。艺术作为一种治疗方式，其实已有一段很长历史。在古埃及时代，人类已开始用音乐来保持身体健康。在美国，音乐治疗正式在大学成为学科也已有50年历史。 但在本地，艺术治疗仍旧很冷门，除了一些特别学校和心理医院，本地医院都没有提供这种治疗。像吴美珠这样受过专业训练，又全职投入艺术治疗工作的人，更是屈指能数。 沈素心是在心理健康学院任职的治疗师。她没有受过正统艺术治疗训练，但基于对戏剧的喜好，近年来专注于把戏剧融入短期精神病患的治疗中。 疗程以小组形式进行。治疗师给病人做的练习主要来自剧场，再根据精神病患的需求做出调整。比如她会设定一个行动范围，叫病人在范围内自由走动，条件是必须均匀分配空间。当她一拍手，大家暂停走动，只有被喊名字的那位必须继续走，同时说出当天的生活感受。 刚开始时，参与者往往表示不知道要如何说起。但不久，他们就开始说出一些心底话。像“这里很好，没有人用异样眼光看他们”之类的话，不止一次从他们的口中吐出。 通过过程进行治疗 与其让病人直接把心事说出来，艺术创作让病人多了一份参与感。这样的方式，少了威胁性，多了娱乐性，还可以培养参与者的社交能力，帮助他们建立自信。 对病人来说，这不是一个疗程，而是个有趣的活动。其中两个参加戏剧治疗的精神病人告诉记者，这个活动让他们释放自己的情绪，使他们觉得自己有价值。 沈素心说，要向病人解释戏剧的疗效过于抽象，所以她会给他们一些比较明确的目标，比如要在年底呈献一场戏剧演出，引发他们的兴趣。 艺术是治疗师的工具，可以用来分析病情，能够协助病人表达感受。“艺术家追求的是技术，艺术治疗却不是。最后出来的作品艺术性多高完全不重要，重要的是参与者如何在创作过程中建立感情，掌握表达能力。我们是从艺术创作的过程而不是完成品中，取得治疗效果。”她说。 正常人也能从艺术治疗中获益 在仁慈医院任职的黄立雄，用绘画来协助痴呆病人恢复记忆。根据不同人的情况，他有时会让他们自由发挥，有时给他们主题，引导他们作画，或是叫一群人共同创作。 黄立雄指出，美术治疗和心理学关系密切。同一病种的人所画的东西常有相似之处。比如精神病患一般上笔划有劲、颜色鲜艳，忧郁症病人的画则色彩比较暗淡。治疗师可以从这些共同特征去分析。 不单是病人，正常人也能从艺术治疗中受惠。除了医院里的病人，黄立雄也常到主流学校和特别学校去，利用美术进行辅导。在特别学校里，他辅导的不是特殊儿童，而是他们的兄弟姐妹。 很多时候，他会叫他们画自己的家庭。他发现，特殊儿童的家人经常会漏了画患病的那名成员，而特殊儿童恰恰相反，会为家庭增添新成员，比如小猫小狗等宠物。 对艺术治疗普遍缺乏认识 虽然艺术治疗在心理方面最有疗效，但各种艺术形式也对病人的生理有一定帮助。今年7岁的吴志康有多种残疾，各方面的发育比一般孩子来得慢。于是，音乐治疗师吴美珠通过音乐来帮助他发声。她拿三角铁在不同方向和高度敲打，叫志康伸手去捉，一方面考验他的方向感，一方面锻炼他双手的配合能力。 在本地，艺术治疗主要是用于特殊儿童和精神病人。但在欧美，医疗人员也用艺术形式来为中风人士、爱之病人和癌症病人进行治疗。 艺术对身心都有疗效 吴美珠曾在英国实习期间以音乐来帮助半身不遂的病人，重新掌握走路的规律。音乐治疗师相信，人类是富有节奏性的动物，我们的呼吸、睡眠长短都有固定的节奏，所以音乐无论对人类的心理和生理健康都有很大的疗效。 谭雪丽花了4年在美国迈阿密大学修读音乐治疗。毕业回国后她当了1年私人全职音乐治疗师，之后却因为生计问题而放弃。其中原因除了碰上经济不景气，更主要还是因为新加坡人对艺术治疗缺乏认识，雇用专业艺术治疗师的医疗机构少之又少。 “如果人们不去看演出，不听演奏会或参观美术馆，我们又怎么能够把艺术运用在治疗上呢？”谭雪丽说。 沈素心的看法是，艺术治疗比其他治疗方式来得抽象，而且目前还没有一套完善的测量疗效方式，因此本地医院几乎完全没有设立艺术治疗部门。 “很多人对音乐治疗很感兴趣，但他们没有需要付费的观念。很多人以为音乐治疗就等于到唱片行买一张新世纪音乐唱片。”谭雪丽说。 她解释，艺术治疗需要专业治疗师在场，鉴定病人的情况，从而作出调整。艺术治疗师的工作是很科学的。他们除了要设计疗程，还要根据病人的进展制作图表。 在政府大力推广艺术，投入资金建设文艺复兴城市的同时，我们，尤其是医疗机构，是否也可以进一步了解和运用艺术在医学方面的疗效？抑或是，如谭雪丽所说的，在发展艺术治疗之前，我们得先培养鉴赏艺术的能力？ | 
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